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エリザベス女王即位50周年記念コンサートについてその２。前回にて最も盛り上がったのはオジー・オズボーンのステージと述べましたが、甲乙つけがたいパフォーマンスがもう一つあります。

それがジョー・コッカー「With a Little Help from My Friends」です。ウッドストックにおける強烈なステージ以来彼の代表的なレパートリーとなりました。言うまでもなくビートルズナンバーですが詳しくは#36をご参照の程。フィル・コリンズ、ブライアン・メイ、そしてうっかり見逃しそうですがスティーヴ・ウィンウッドがオルガンを弾いています。贅沢なラインアップも勿論ですが三人の女性コーラスも素晴らしい。彼女たちの力によって本ライヴは一段高いレベルへと引き上げられています。

そのウィンウッドのステージは現在のＹｏｕＴｕｂｅで本コンサートを検索して出てくる動画一覧に上がってきません。別途にググると出てきます。当たり前のようにフィル・コリンズがドラムを叩き、そしてイギリスを代表するパーカッショニスト　レイ・クーパーも彩を添えています。レイはライヴエイドでも大活躍でした。前々回#267で取り上げたエルトン・ジョンとジョージ・マイケルによる「Don’t Let The Sun Go Down On Me」でも素晴らしいパフォーマンスが繰り広げられています。彼は俳優でもあります。ベーシスト　ネーザン・イーストもそうですが、演奏技術も勿論の事、本当に素晴らしいエンターテイナーとはこういう人達です。ちなみに動画のタイトルにはエリック・クラプトンの名も冠せられていますがこの「Gimme Some Lovin’」でクラプトンは弾いていません。

そのクラプトンの演奏ですが一つは「Layla」。何故か後半のパートが切られています。昔は全部まるっと上がっていたのですが … 。もう一曲は「While My Guitar Gently Weeps」です。「Layla」は定番曲ですから当然と言えば当然なのですが、本曲が演奏された理由は言うまでもありません。前年に亡くなったジョージ・ハリスンへのレクイエムとしてです。ポール・マッカートニーとクラプトンが一緒に本曲を演奏している、鎮魂歌としてこれ以上のものはありません。あまりにも有名な話ですがジョージとクラプトンについてのエピソードを知りたい方は#9をご参照の程。

ポール・マッカートニーはエリザベス女王と８～９回謁見したそうです。ビートルズ時代の65年にMBEを受勲した事に始まり、ナイトの称号を授かった時、またポールが催した絵画の展示会で女王を案内したこともあるそうです。本コンサートはその機会の内の一つ。
女王の前で「Her Majesty」を演奏する。多分これが許されたのはポール・マッカートニーだけでしょう。演奏後に女王の表情がちらりと映りますが微妙な顔をしている様に見えるのは気のせい？
全六曲の演奏の内自作のものが四曲。既述の「While My Guitar Gently Weeps」がもう一つ、そしてその他のもう一曲が最初に上げた「All You Need Is Love」です。一応知らない方の為に本曲はジョン・レノンのペンによるもの。四拍子と三拍子が混在する結構難しい曲なのに聴衆達も全く問題なく口ずさみ、またリズムにも乗れています。それだけ本曲が英国人に馴染みがあるというのもありますが、トリッキーなリズムを意識させないジョンの曲創りの妙であったとも言えるでしょう。

女王陛下の式典にて、悪魔崇拝を掲げていたヘヴィメタルバンドや体制を皮肉った曲を歌っていたミュージシャンが出演する、この辺りにイギリスという国の奥深さを感じられます。ブラックジョークが通じる国民性、しかし常にどんよりとした天気のせいか鬱々とした気質も持ち合わせた複雑な国。しかしそれが当たり前なのでしょうけれども。常に幸せそうな国民の笑顔が君主へ向けられているのは某国によるプロパガンダ映像の中ですから（コンコン … ）おや？誰か来

二回に渡ってエリザベス女王即位50周年記念コンサート『Party at the Palace』を取り上げました。当たり前ですが取り上げられなかった出演者の方が圧倒的に多いです。私の洋楽知識が８０年代で止まっているので９０年代以降に活躍したミュージシャン達については疎いため、興味のある方はブログタイトルをコピーしてＹｏｕＴｕｂｅで検索すれば先述の動画一覧が出てきますのでそちらをどうぞ。

しかしさっき訪ねてきた黒ずくめの人達は誰だったのでしょう？その後記憶がぷっつりと途切れ、気が付くとまたこのＰＣの前にいました。某国？プロパガンダ？何のことでしょうかね？
・・・(´・ω・`)？？？

ライヴエイドについて前回まで取り上げていましたが、趣旨こそ全く違えど、大規模かつきら星の如きスーパースター達が集結したという点においては同様の、とあるコンサートを思い出してしまいました。

02年に行われたエリザベス女王即位50周年記念コンサート。” Party at the Palace ” と銘打たれた本コンサートは文字通り女王の ” 庭 ” であるバッキンガム宮殿にて催されました。
女王自身はクラシック音楽やスコットランドの音楽を好んでいたそうです。目覚ましはバグパイプの音にしていたというエピソードもあります。実際即位50周年を祝うクラシックのコンサートも別に催されました。しかしながらイギリスの音楽と言えば、５０年代にアメリカで生まれたＲ＆Ｒを取り入れ、ビートルズをはじめとした６０年代の若者たちが独自に進化・深化させ確立させた ” ロックミュージック ” であると言って過言ではないでしょう。
英国を代表するミュージシャンやバンドが一堂に介して行われた本コンサートはブライアン・メイが演奏する「God Save the Queen」で幕を開けます。

才女アニー・レノックス。王立音楽アカデミー出のエリートである彼女を私は勝手にロンドンのイイとこの娘だと思い込んでいたのですが、スコットランド出身の決して裕福ではない生まれであり、パブやクラブでウェイトレスや勿論歌って学費や生活費を稼いでいたという事を知ったのはだいぶ後年になってからでした（#100ご参照）。

当然の様にフィル・コリンズも出ています。他の出演者のバックでもドラムを叩くなど精力的ですが、やはり８０年代の様なアクティヴさには欠けます。この頃から体調は悪かったのでしょうか？

イギリスのミュージシャンだけではありません。トニー・ベネットやブライアン・アダムス（カナダ出身）も出演しています。この時トニー・ベネットは７５歳。朗々と歌い上げる姿は圧倒的です。９０代まで現役で歌い続けていた彼を観ると、自分などまだまだヒヨッコだと思い知らせます。

前々回にも触れましたが最も会場が盛り上がったのはオジー・オズボーンのステージでした。最後の方に映るチャールズ現国王をはじめとしたロイヤルボックスの反応が印象的です。これが許されるのがイギリスという国の懐の深さでしょう。その前々回の投稿の直後にオジーは亡くなってしまいました。引退ライヴを終えた後に、まるで全てをやり遂げてから旅立った様な最期でした。合掌。

他国から招かれ最も長くステージに上がったのがブライアン・ウィルソンです。サーフィン・車・女の子といったビーチボーイズの一般的なイメージからすると何故英国の式典にて？と思ってしまいますが、６０年代半ばからビートルズと切磋琢磨し互いに刺激を受けながらロックを一段高い表現へと昇華させた事はむしろイギリス人の方がよく理解しているかもしれません。「サージェント・ペパーズ」と並び現代でもロックにおける名盤の双璧と称される「ペットサウンズ」は、リリース当初本国では受け入れらず、むしろ海を隔てたイギリスで大いに反響を得ました。ジョン・レノンとポール・マッカートニーは本作に衝撃を受け、それが「サージェント・ペパーズ」の創作へ多大な影響を与え、ミック・ジャガーはロンドン中のＤＪに ” このレコードをかけろ！ ” と言って回ったというのはロックファンには結構知られた事です（#2ご参照）。
「California Girls」で幕を開けるのですがその動画は上がっていません。２曲目が「The Warmth of the Sun」。ジョン・F・ケネディの悲劇的な死にインスパイアされ創った本曲には穏やかな悲しみ・慈しみといった形容が相応しい。エリック・クラプトンが歌とギターでゲスト出演しています。この曲にクラプトンの歌がマッチしているとは決して思いませんがギターは素晴らしいです。この時期よく弾いていた友人のデザイナーにペイントさせたストラトキャスターは01年頃の日本公演でも観ることが出来ます。彼のシグネチャーモデルは90年代のレースセンサーピックアップを搭載したものが評価が高いですが、その後のフェンダー純正ピックアップ（多分ノイズレスピックアップ）を使用したものはストラト本来の持ち味である枯れた伸びのある高音が堪能出来ます。

ブライアンも６月１１日に永眠しました。享年８２歳。一時は廃人同様となったにも関わらずその後奇跡的なカムバックを果たし、病気は生涯完治することはありませんでしたがそれでもなお音楽を演り続けました。結果的にウィルソン３兄弟の中では最も長生きし、大往生であったと言えるでしょう。

その２へ続きます。

「伝説的な～」という形容の仕方がよく用いられますが、伝説とは真実は定かではないが言い伝えられているものですので、映像的記録として残されるのが珍しくなくなる２０世紀半ば以降において伝説は生まれにくくなっているはずです。それでも伝説的という飾り文句が付く事がありますが、これは正確には後世まで人々の間で語り継がれる様な、所謂 ” 語り草 ” という表現の方が正しいのでしょう。ただし語り草に関しては悪い意味で用いられる事もあります。例えば前回取り上げたライブエイドにおけるレッド・ツェッペリン再結成のような …

ライブエイドにおいて伝説的・語り草となっているステージとして良く言われるのはクイーンのものです。私は観ていないのですが映画『ボヘミアン・ラプソディ』ではハイライトとして寸分違わぬそのパフォーマンスが再現されているそうです。良く言われることですが当時クイーンは７０年代における人気からするとやや低迷しており、過去の人的な扱いをされていました。

例えば上の「Radio Ga Ga」は前年である84年に発表された曲ですが、本国を含めたヨーロッパでこそヒットはしたものの、アメリカでは最高位１６位とそれ以前に比べれば奮いませんでした。クイーンらしい劇的な楽曲というよりは、ドラムマシン・シンセサイザーを使用した当時で言う ” ピコピコサウンド ” でありクイーンらしくない、という評価が大勢でした。私は決してクイーンのファンという訳ではありませんし、そして本曲はスタジオ版だけを聴くと決して秀でたものとは思えません。しかしライブで演るとがらりと変わります。これはクイーンのライブバンドとしてクオリティーの高さ、特にフレディ・マーキュリーのエンターテイナーとしての天賦の才によるものでしょう。次曲「Hammer To Fall 」での有名な聴衆とのコール＆レスポンスなど、７２０００人のオーディエンスを巻き込んだそのステージングが、映像で確認する事が出来る現代であっても後世まで語り継がれる、真実が定かとなっていてもなお ” 伝説的 ” パフォーマンスとされる所以なのでしょう。

大物同士が組んでも決して良い出来になるとは限りませんがそれは並みの大物の話。並外れた大物は ” 掛ける２ ” どころかその何倍にもクオリティーを高めてしまいます。
ミック・ジャガーとティナ・ターナーのステージはその典型です。ティナについては長く続いた不遇の時代、そしてその期間において彼女を支えたのはローリングストーンズ、ロッド・スチュワート、デヴィッド・ボウイといった英国のミュージシャンであり、その苦難を乗り越え「Private Dancer」（84年）によって見事な再復活を遂げた、というのは#103で既述ですので宜しければご一読。
とにかく ” カッチョイイイ！！！ ” の一言です。涙が出るほどカッチョイイイです。多くは語りませんのでご視聴ください。ちなみにバックを務めているのはその前に出演したホール＆オーツと彼らのバンド。ミックとティナの後ろにダリル・ホールの姿を観ることが所々出来ますが、なんと贅沢なステージなのでしょう。この場にいた人達がうらやましいの一言です …
あっ！結局多くを語っちゃいましたね …(*´∀｀;)…

お次の超大物たちによるステージが言わずと知れたボブ・ディラン、キース・リチャーズ、ロン・ウッドによる「Blowin’ In The Wind」。この演奏が決して出来の良いものとは決して思いませんが、三人が同じステージに上がるというだけで価値のあるものになります。ディランは「ウィ・アー・ザ・ワールド」同様に出たくはなかったのでしょう。嫌々さがありありと感じられます … これが許されるのはディランと生前のジョン・レノンくらいだったでしょう。途中でディランのギターの弦が切れてロンが咄嗟に自分のを渡したのも有名な出来事。代替えのギターを渡されしばらくチューニングしていたロンが何か幕中のスタッフへ話しかけていますが何だったのでしょうね？ちなみにミックとキース及びロンが別々のステージに出たのは当時ストーンズの人間関係がそういう状態だったからに他なりません。というより仲が良い期間の方が圧倒的に少ないのでしょうが … でも意外にその方が割り切ってバンドは長持ちするのかもしれません。

本コンサートにおいて最も話題となったのはビートルズ再結成はあるのか？です。前年にデビューしたジョン・レノンの長男であるジュリアンを加えてステージに上がるのでは？とまことしやかに囁かれました。結果的にそれはガセネタだったのですが、大衆紙『サン』では一面で ” The Beatles reunited ” と報じていたそうなので信じてしまった人も多かったらしいです。今の様なネット社会ではありませんでしたから。
リンゴとジョージは打診を断ったそうです。ポールがギリギリまで決まらなかったと言われています。結果として大トリで出演したのは周知の事実。
そこで演奏した「Let It Be」において、ポールのマイクが不調であったのは有名なエピソードです。公式なＤＶＤでは勿論問題はないのですが、ウェンブリーの会場では約２分間歌が殆ど聴こえなかったそうです。テレビやフィラデルフィアの会場では問題はなかったらしいので、上の動画で２：００過ぎ頃に異常に歓声が沸き上がるのが何故なのかその事実を知らないと？となります。ネット上ではウェンブリーの会場で録画したものが上がっていますけれども、それを観ると理由がわかります。それにしてもこんなアクシデントさえも糧にしてしまう、まさしく伝説・語り草になってしまうのはスーパースター　ポール・マッカートニーだからです。それ以外に言いようがありません。
ちなみに英米会場それぞれで、エルビス・コステロの「All You Need Is Love」をはじめ、ジョン・レノンナンバーが４曲演奏されています。言うまでもなくこの場に、そしてこの世にいないジョンの魂を伝えるためでした。それにしてもジョンが生きていたら出演したでしょうか？皮肉屋の彼の事でしたから断っていたか（ポールが出るなら出ない！とか … ）、それともディランの様に嫌々出たでしょうか？というよりディランが出るならオレも出る！となっていたかもしれません。そうするとディラン、ジョン、キース、ロンによる「Blowin’ In The Wind」が聴けたかもしれません。タラればを言っても仕方ないのですが、あれこれ夢想してみるのもまた楽しみの一つです。

順序は逆になりましたが一番上の動画がエルトン・ジョンとジョージ・マイケルの共演による「Don’t Let The Sun Go Down On Me」。ライブエイドでもっとも白眉のステージは？と問われたならば私はこれを挙げます。勿論クイーンやＵ２、デヴィッド・ボウイのパフォーマンスが素晴らしかったのは疑いようのない事実です。しかしどれか一つと言われたならこれに尽きます。
本曲について、そしてジョージ・マイケルと再録しそれがオリジナルを超える世界的大ヒットとなった経緯はエルトン回#238にて取り上げてますので詳しくはそちらをどうぞ。
本当に失礼を承知で言いますが、私はジョージ・マイケルがシンガーとして特に秀でている人とは思いません。しかし本曲へ対する思い入れ、エルトンのアレンジ、そして何よりあの７２０００人が集結したウェンブリースタジアムという会場が持つ魔力（勿論良い意味の）が全て混然一体となり素晴らしいものへと昇華されました。歌の出だしこそ緊張からか少し硬さや不安定さもありますが、しかし曲が進むにつれ変わっていきます。特に歌で言うと一番が終わった３：１５辺りからジョージもリラックスして余裕が生まれてきたのが良くわかります。勿論エルトンやバックのメンバーたちはそれを手に取る様に把握出来た事でしょう。二番からのテンションの上がり方が尋常ではありません。３：５０頃の（多分）エルトンによる掛け声が入った辺りからエルトンの肩越しにジョージの姿を捉えたカメラのセレクションも見事です。４：３０頃嬉しそうに誰かを指さすエルトン。誰を指していたのでしょうかね？
４：５０でオーディエンスに最もおいしい所であるタイトルを歌わせるジョージは完全にテンションが一つ上の次元に上がっています。そしてそこからハイライトである最後のサビからあまりにも見事な大団円へと突入して行くのです。聴衆と演者がこれほど見事に一体となったパフォーマンスにはなかなかお目にかかる事がありません。５：１０頃からのエルトンの表情を観てわかりますが、彼もこの異様なテンションの上がり方に驚き、また数多のステージを経験してきた彼をしてもこの演奏は特別なものになったのだと思います。根拠はありませんがエルトンは始まるまでこれほどのものになる、とは思っていなかったのではないでしょうか？ところが蓋を開けてみると予想の斜め上をいく結果となり興奮が収まらなかったのだと思います。演奏が終わった次の瞬間、思わずジョージのもとに駆け寄っていくエルトンの姿が何よりも雄弁に全てを物語っています。

三回に渡って今から４０年前に行われたライブエイドに関してつらつらと書き綴ってきました。当然触れる事が出来たのはほんの一部です。自分の好みからか殆どイギリス勢になってしまったのは書き終わってから気づいた事 … 勿論アメリカのミュージシャンについても書きたかったんですがそれはまたの機会にて。

ちなみに上の段落でつらつらと書き綴って、と表現しましたけれども、私これを何となく書き留める・書きなぐるといった程度の雑な文の作り方を表すのだと永年思っていました。ですが良く調べてみると本来は ” 熟考しながら文章を書く ” の意だそうです。とても私の文章からは程遠いものですね …
しかしながら伝説にも語り草にも、何物にも何者にも何文（こんな言葉無いですが）にもなるはずもない私の駄文においては、そのどちらでも差し支えはありませんね。
あっ！ (´・ω・`) 誤用も時が経つとその意味として定着してくる、っていうのもありますよね！” 情けは人の為ならず ” みたいなやつ。それで押し通しましょうか？
大丈夫！どうせ誰も読んでねえから …(*´∀｀;)…

ライブエイドで一番忙しかった人は？と問われたならば間違いなくこの人でしょう。

言わずと知れたフィル・コリンズです。ウェンブリーでスティングと共演すると共に自身もソロで演奏、そののち超音速旅客機コンコルドでフィラデルフィアへ飛び、エリック・クラプトンのバックにてドラムを叩き、これまた自身のステージも務めた後にあの ” 悪名高い ” レッド・ツェッペリン再結成のプレゼンター役を果たした後これまたそのドラムも担当する。この時期の彼は仕事をしていないと死んでしまう回遊魚みたいな存在でした。ワーカホリックと言えばそれまでなんでしょうが、そのツケが来たのか後年身体の不調も相まって老年性のうつに悩まされるようになってしまったのも皮肉な話です。
本ライブにおけるツェッペリン再結成時のクオリティーの低さに関してフィルの責任とする向きがあるようですが、どう考えても先ずはロバート・プラントの歌のひどさです。80年に解散してからプラントはソロで活動していましたから歌っていない訳ではないはずなので、単に元キーで歌うのが難しくなっただけです。ジミー・ペイジは弾いてなかったらしいので当然と言えば当然の事 … 83年のアームズコンサートでもそのギタープレイが ” 堪能 ” 出来ます …
「胸いっぱいの愛を」と「天国への階段」は確かにリハ不足だな … とうかがえますが（それもフィルの責任かは不明）、「ロックンロール」に関しては全く何の問題もありません。ペイジとプラントはフィルの責任だ、とするコメントを後日残しているようですが、往生際が悪いとはこの事です …
ちなみにライブエイド公式チャンネルにてその動画が上がっていないのは二人がそれを許可しないから、というのは有名な話ですが、当時の放送を録画したものがアップされてますのでコワイもの（オモシロイもの？）観たさで視聴するのもまたご一興。
上はフィルによる単独パフォーマンスである前年の大ヒット曲「見つめて欲しい」ですが、ウェンブリーでは１：０５辺りでピアノをミスっています。苦笑いするフィルがお茶目ですが、その後の歌唱は見事です。その下がフィラデルフィアでのプレイ。こちらは勿論ミスなくプレイしています。どちらも素晴らしいのは彼が素晴らしいシンガーでありエンターテイナーだからです。このあたりがペイジやプラントと違う所です。

コンサートの運営において直前までてんやわんやであったというのは前回述べましたが、その混乱ぶりを示すエピソードを一つ。出演者達はヘリにてウェンブリースタジアムへ移動させたのですが、その離発着場を確保しておらず直前になって大慌てしたらしいです。近くにあったクリケット場が唯一離発着出来る場所だったのですが、あいにくその日はクリケット界で非常に大事な試合がある日でした。ドキュメンタリーでその事について触れられていますが、はっきりとその結果は語られてはいないのですけれども、半分だけ使わせてもらったとかなんとか … クリケット関係者には本当に迷惑な話だった事でしょう。

意外と言えば失礼ですがオジー・オズボーンも出演しています。どうやらオジーは間際になってから参加を表明したらしく、その為母国ではなくフィラデルフィアにて、しかも午前中という早い時間をあてがわれてしまったとの事。これには本人達も不満たらたらだったらしいです。
ちなみに05年のエリザベス女王即位50周年記念コンサートにもオジーは出演しています。この人に ” 神よ、女王を守りたまえ ” とか言われるのも笑ってしまいますが、イギリスはブラックジョークが通じるお国柄なので許されてしまいます。話題はそれますがこのコンサートで最も盛り上がったのではないでしょうか。一応上げておきます。

その３へ。

チャリティーというものは色々な意味で難しいものです。勿論それそのものが悪いはずは無いのですが、その目的、運営方法、集めた募金の流れやその使途などによっては本来の意味が歪められ、批判の的になることもあります。ちなみに欧米ではチャリティーに参加する著名人は絶対に報酬、所謂ギャラを受け取らないとされています。ノーギャラで参加するのが当たり前であり、金品を受け取るなど以ての外、というコンセンサスが成立しているようです。
我が国において、自称チャリティーテレビ番組というプログラムがかなり長くの間催されているようですが、どうやらその出演者にはギャラが支払われているとの事。欧米からするととても考えられな（コンコン … ）おや？誰か来

今から４０年前の１９８５年７月１３日に行われた『ライブエイド』。英米同時開催され、ロンドンのウェンブリー・スタジアムで７万２千人、フィラデルフィアのＪＦＫスタジアムでは１０万人（数字には諸説あり）の観客を動員し、全世界衛星中継によりおよそ１９億人が視聴したとされる、おそらくはポップミュージックにおける最大のイベントであった本コンサートが開始されたのがイギリス時間の正午、日本時間午後８時でした。私こういうメモリアル的な日時とかにあまりこだわりは無い方なのですが、当時リアルタイムでテレビでの中継を食い入る様に観ていた一人として、その４０年後の同時刻に当ブログを投稿してみました。
募金がいくら集まったであるとか、その使途について色々な問題があったのではないか？という事については全く触れません。あくまで本コンサートに至る経緯や当日のよもやま話などに終始していきます。
ネット上では私以上にヒマな … 強者・好事家の方がおり今回かなり参考にさせて頂きました。それに関するドキュメンタリーや考察本も出版されているくらいですので、とても太刀打ち出来る程の内容は書けませんが、自分なりにピンと来た物事についてのみ書きなぐってみます。

ライブエイドのキッカケとなったのは言わずと知れた前年におけるバンドエイドの「Do They Know It’s Christmas?」です。詳しい事はウィキ等でご参照頂くとして、それが翌年更に有名なＵＳＡフォー・アフリカ「We Are the World」へと繋がり、同年に本コンサートが催される事となりました。
バンドエイド及びライブエイド共にその立役者となったのはボブ・ゲルドフである事は有名ですが、当時を回想したドキュメンタリーなどを観るとかなり強気の、物おじせず積極的な性格、悪く言えば強引、独断専行かつ口が悪い人物だったそうです。しかしそのくらいでなければこれだけのイベントを実現する事は出来なかったのでしょう。テレビ中継の最中に思ったより募金額が低いことに業を煮やし、かなり口汚い物言いでスタジオから視聴者へ募金を募っているのがＹｏｕＴｕｂｅで観る事が出来ます。我々日本人の感覚では逆効果では？と思ってしまいますが、どうやらそれも功を奏した要因の一つだそうです。勿論それだけではなく、伝説的になっているクイーンによるステージの見事さ、ウェンブリーにてデヴィッド・ボウイが自身のステージを終えた後にアフリカの惨状を伝える映像を挟むようにした事で、世界中にその飢えた子供達の様子が映し出された事なども当日募金額を急激に増加させる事に寄与しました。
ただしインターネット時代になってわかった事ですが、ゲルドフによる先の募金への呼びかけは英国ＢＢＣテレビにおけるものであり、彼が業を煮やしたのもＢＢＣにおける募金額の低さでした。世界各国ではそれぞれ独自のテレビプログラムが組まれており、募金の集まり具合は各国によって異なった事でしょう。
そしてこれも今回わかった事ですが、ゲルドフは募金が集まることを第一義に考えていたので、それぞれの国において人気のミュージシャンなどを出演させて視聴率を稼ぐ、つまり募金が集まる様にして欲しいという要請がなされていたそうです。彼はこれを ” グローバルジュークボックス ” と名付けました。
日本ではフジテレビが本コンサートを伝えていましたが、その放送中に矢沢永吉さんが歌っていた記憶があります。別に矢沢さんが悪いとかそういう事ではなく、洋楽ファンとすれば出来るだけライブエイドの模様を映してくれればイイのに？ … などと思ったご同輩が多かったのはやはりインターネット時代になってから知った事ですが、どうやらこれはゲルドフの意向に沿うものだったそうです。洋楽に詳しくない人達からすれば、よくわからない海外のミュージシャン達が出ているだけの退屈な番組になってしまいますからね。

これだけの大規模イベントですから舞台裏ではてんやわんやだったのは言わずもがなです。フィラデルフィアにおいては三週間前になっても出演者が決まらないという状況で、これもゲルドフ達主催者側をイラつかせました。ちなみに米側でのコーディネートをしていたのはウッドストックやモンタレー・ポップ・フェスティヴァルも仕掛けた有名プロモーター　ビル・グレアム。良くも悪くもその界隈では有名人であり、やはりその一筋縄ではない人間性故に色々言われた人物ですが、そのくらいの強者でなければこのビッグイベントを取り仕切ることは出来なかったのでしょう。

ゲルドフは出演者の入れ替えをスムーズにする秘策として回転ステージなるものを考えたらしいです。円形のステージが１８０度回転して次の出演者がくるりと現れる、つまりそれまでの演者もくるりとハケる事が出来る、と。ただ重すぎてウィンチで引っ張ってもムリだったそうでこの構想は上手くいかなかったらしいです … 。ただしそれは出来るだけ多くのミュージシャンを出演させる、ひいてはより多くの募金を集めるが為の事でした。

その２へ続きます。

サイモン・フィリップスのプレイスタイルを語るうえで欠かせないのがダブルベースドラムです。通常のドラムセットでは利き足側に一つしかセッティングされていないベースドラム（大太鼓）を二つ使用し、両足で迫力ある低音の連打が可能になります。日本では ” ツーバス ” と称されますが、英語圏の人にこの単語を使っても二台の乗合自動車の事か？となります。しかし短くて済むのでここでは便宜的にこの単語を用います。
上は少し古く画像も良くないのですが、92年に発売された教則ビデオ「Simon Phillips Returns」の演奏パートのみを編集した動画です。私もＶＨＳビデオで持っていますが何しろ再生機が無いのでこうやってアップされていると助かります。それが著作権的に云々は置いといて…
ツーバス、左右両利き、オクタバンやゴングバスといったサイモンのトレードマークとなった独特のドラム類の使用など、彼の個性が全て網羅されていると言って良い動画です。
左右両利きが彼の個性が最も表れているプレイスタイルでしょう。通常右利きは右手でリード、つまりシンバルを刻み、左手にてスネアドラムを２・４拍でバックビートを叩き、またジャズではフィルイン、いわゆる ” オカズ ” を入れます。
あっ！ (´・ω・`) オカズと言っても皆さんが考えるような夜のオ
＞＞＞＞＞！ヽ( ・∀・)ﾉ┌┛Σ(ﾉ;｀Д´)ﾉ
オマエだけだよ … そんな事考えるのは …(*´∀｀;) …
サイモンは左手でリードを取り、右手でスネアやタム類を叩くことが多いです。ハイハットシンバルを刻みながら左手でスネアを叩く時に手が交差しない、それと右側に配置されているタム類が叩きやすい、というのが理由でしょう。その為かハイハットが非常に低くセッティングされています。
同じようなプレイスタイルで知られるのがビリー・コブハムです。実際影響を受けたドラマーの一人としてコブハムの名が挙がっています。ここで一つ疑問が生じます。サイモンは彼のプレイスタイルから左右両利きをインスパイアされたのか？というものです。コブハムは44年、サイモンとは１３歳離れているので彼が物心ついた頃にはもうマハヴィシュヌ・オーケストラ等で活躍していましたが、海を隔てた（コブハムは米国人）、ましてやインターネットはおろかビデオさえも普及していない頃に視覚的にそのプレイを確認するのは困難だったでしょう（コブハムがロンドンへ公演しに来た事はあったかもしれませんが）。
確たるソースがある訳では無いのですが、ツーバスセッティングとなりタム類を増やしビッグセットへ移行する過程でオーソドックスな右利きのスタイルには限界を感じ、この様なプレイになったとも言われています。
コブハムもツーバスのビッグセットなので自然とそうなっていったのかと思われます。シンクロニティ（共時性）というやつでしょうか。必要性を感じその答えを求めると離れた場所でも自然と同じことをする人が出現するのでしょう。もっともこの場合は ” 必要は発明の母 ” と言う方が適切でしょうかね？

上は前回触れたジェフ・ベック「There & Back」（80年）に収録された「Space Boogie」におけるプレイをサイモン自身が解説している動画です。誠にイイ時代になりました。
「Space Boogie」におけるドラミングの元ネタが先にもその名が出たビリー・コブハム。73年にリリースしたソロ作「Spectrum」に収録された「Quadrant 4」がそれです。

昔から言われていましたが解説動画でサイモン自身が言及しています。別にパクリなどではなくリスペクト・オマージュというやつでしょう。
シンバルでジャズビートの ” チーンチッチ・チーンチッチ ” を刻み、スネアで２・４拍の強いバックビートとその他に聴こえるか否かくらいの囁くような所謂インサイドスネアが入っています。口で言えば ” ンタッタッタ・ンタッタッタ ” という感じです。これがツーバスによる ” ドッドドッドドッドドッド ” というハネた連打の上に乗るとあのようなドラミングになります。口で言うのは簡単ですけどね・・・

そのテクニカルなプレイやフレージングのセンスなどは既に語り尽くされており、私が今更ここで言及するよりもそれらを参照してもらった方が良いと思います。であるからして私なりのサイモン・フィリップスというドラマーの魅力を述べたいと思います。
テクニックやフレーズと並んでサイモンのプレイにおいて特筆すべきはその ” 空気感 ” にあります。ドラムの空気感などという言葉は聞いた事がない、と言う方もおられるでしょう。それもそのはず、今私が作った言葉だからです。
あっ！ (´・ω・`) 読むのを止めないでください！もうちょっとだけこの駄文にお付き合いを …
亡くなった村上 “ポンタ” 秀一さんがその昔「ドラムほどブレスが大事な楽器はないんだよ！ブレスがよ！！」と言っていました。その時は ” ムズカシくてよくわかんない？ (´・ω・`)？？ ” と思ったものですが、やがてその言葉の意味が少しずつ分かってきた様な気がしました。要は口で自身が演奏するフレーズを歌う、という事です。ギター、ベース、ピアノ奏者なども自然に演っている事ですね。それが上手ければジョージ・ベンソンの様にシンガーとしても一流になりますし、そうでない場合はキース・ジャレットの様になります（ピアノは最高ですよ … ）。日野元彦さんも同様の事を言ってました。トコさんもよく叩きながら口が動いてましたね。
それらがよくわかるプレイはアグレッシヴなものよりセンシティヴなドラミングにおいてです。その例をやはり「There & Back」から二曲、「The Pump 」と「The Golden Road 」です。本作では地味であるが故にあまり取り上げられない楽曲ですが、サイモンの ” 息づかい ” が聴こえるドラミング、特に後者においてそれが顕著です。
静かなパートにおいて息をグッと止める瞬間、逆にそれを吐き出す瞬間などが如実に感じられます。勿論それらは技術面と乖離したものではなく、前者はフラム（両手ちょっとずらし打ち）などでスタッカート感を出し、後者はハイハットシンバルのオープン音等で表現しています。ただその奏法を用いたから ” 息づかい ” が感じられるかというとそれは否。やはり叩き手の歌心が大きく影響します。口から離れる楽器ほど感情表現を込めるのは難しいです。打楽器はその最たるものでしょう。しかしその ” 息づかい・歌心 ” があるからこそ、静かなパートはより静寂さを増し、そして動的な場面ではよりダイナミクスが強調されるのです。「The Golden Road 」における二番後半の盛り上がりはそれらによってより劇的に成功しているのです。

二回に渡ってサイモン・フィリップスを取り上げてきましたが、その全てを語りつくすことなど到底不可能です。使用機材やその独特な音色なども魅力ではありますが、それらも言及しているサイトは山ほどありますので良ければそちらを。
サイモンは90年頃からＬ.Ａ. に移り住んだそうですが、出身は前回述べた通り英国ロンドンです。同じく英国人ドラマーであるビル・ブラッフォードやスチュワート・コープランド（生まれは米ですが、親の仕事で世界中を渡り歩きデビューはイギリスで）など、イギリスには個性的なドラマーが多い様に感じられます。勿論その祖はリンゴ・スターである事は言わずもがなですが。
ブラッフォードは以前インタビューで「イギリスには自国のパーカッション文化がない。だからより色々貪欲に他のそれらを吸収した」の様な旨を語っていました。これはドラムに限らず他の楽器でも、海を隔てた米国のブルースという音楽に心酔したギタリストがイギリスに多かったのもそれと似ているでしょう。エリック・クラプトン（この間また来日していましたね。元気なのは何よりです。）しかり、そしてジェフ・ベックもまたしかりです。
アメリカで生まれたロックンロールに憧れ、それを自身達の中で消化（昇華）し、１０年も経たない内にロック・ミュージックへと進化（深化）させたのはビートルズ、ローリング・ストーンズ、フー、キンクスといったイギリスの若者達でした。悪い言い方をすれば無いものねだりとでも言うのでしょうが、英国人の中にはそれらを貪欲に取り入れ、そしてオリジナリティ、新しいものを産み出す何かがあるのかもしれませんね。

あっ！ (´・ω・`) サイモンの話題から外れて話が取っ散らかってしまいました。なにか話のオチを付けなければ …
先述のシンバルによるジャズビートの ” チンチキ・チンチキ ” というフレーズですが、私の様な胡散臭い人間が叩くと別の聴こえ方がします。
ほう！それはどんな風に？ (*´∀｀*)
” インチキ・インチキ ” と聴こえます。おあとがよろしいようで。
イヤ、だから … ホントに … (´・ω・`)

前回のジェフ・ベック回にて「There & Back」を取り上げるならあの曲が抜けてんじゃね！？と思われた方、貴方は鋭い。そうです。今回からの為に敢えて外しておいたのです。ナニ？誰も思わない？その心は？
なぜなら誰も読んでないからです。おあとがよろしいようで。
イヤ、だから全然よろしくないってば … (´・ω・`)

アルバム「There & Back」Ｂ－④に収録された「Space Boogie」。本作におけるハイライト的ナンバーであり、特にその怒涛のドラミングには誰もが「なんじゃあ！こりゃあ！！」と度肝を抜かれる事でしょう。勿論私もその一人です。本曲にてサイモン・フィリップスというドラマーの存在を知った音楽ファンも多いはず。
あっ！知ってましたか？このブログって一応ドラム教室のブログなんですよ。書いてる本人もたまに忘れるんですけどね。ナニ？誰も知らない？その心は？なぜなら誰も読ん
＞＞＞＞＞しつこい！ヽ( ・∀・)ﾉ┌┛Σ(ﾉ;｀Д´)ﾉ

サイモン・フィリップスは1957年英国ロンドン生まれ。父親がジャズのビッグバンドを率いているという音楽に恵まれた環境で育ちました。プロとしてのキャリアは１２歳からそのビッグバンドにて始まります。ある時バンドのドラマーが退団してしまいどうしようか？と悩んでいる父親に対してサイモンの母が「あら？ドラマーならここにいるじゃない？」と言って彼を指し示したというエピソードがその昔ドラムマガジンに載っていました。本人へのインタビューを元にしたものなので間違いないでしょう。
やがてセッションミュージシャンとなった彼は７０年代半ばからメキメキとその頭角を現します。多様なセッションワークをこなす彼ですが、意外にも当初はヘヴィメタル・ハードロックといったジャンルの音楽でその存在が知られる様になりました。

ジューダス・プリーストのアルバム「Sin After Sin」（77年）のオープニングナンバーである「Sinner」。ロックスピリット溢れるプレイは疾走感に満ち満ちており、彼の８ビートドラミングが堪能出来ます。

マイケル・シェンカー80年のデビューアルバム「The Michael Schenker Group」に収録された「Armed and Read」もストレートなロックチューン。前回取り上げたジェフ・ベックの「El Becko」と同年の録音ですが、一流のプレイヤーは楽曲に沿った演奏をするのは勿論ですけれども、良い意味での「爪痕」を残してその人にしか出来ないプレイをして、一聴すれば「あっ！あの人かな？」と思わせてくれます。スティーヴ・ガッドやジェフ・ポーカロもそうですが、まるで職人がその作品に銘を刻むように。

時系列は前後しますが、サイモンの名を広く世に知らしめた作品が、ブライアン・イーノやフィル・マンザネラといった英国プログレ界の大御所達が結成した「801」によるライブアルバム「801 Live」（76年）です。若干１９歳という若さは感じさせないほど貫禄にみなぎり、しかしながら若々しいエネルギーに満ち溢れたそのドラミングは大御所達と対等に渡り合っており、彼らのプレイに対して素晴らしいレスポンス、時としてサイモンからアグレッシヴに仕掛けるといった、本作におけるエッセンスの一端を担っています。上は言わずと知れたビートルズナンバー「Tomorrow Never Knows」。サイケソングがプログレへ。相性が良いのは当然かと

同アルバムからエンディング曲である「Third Uncle」。ストレートな８ビートも変態的プレイ（褒め言葉ですよ）も見事にこなすのは、正常を知っているから狂気を演じられる役者の様な感性ではないかと私は思います。ほんとに頭おかしい人は自身の異常性に気が付きませんからね。

ジェネシスのマイク・ラザフォード初のソロアルバム「Smallcreep’s Day」（80年）でもプレイしています。サイモンの話題から少し離れますが、ジェネシスのメンバーがこれまた当時のプロデューサーであるデヴィッド・ヘンツェルと組んだ作品であるのでジェネシス色が濃くなるのは当然の事でしょう。メロディックな部分を担っていたのがトニー・バンクスであれば、リズミックなアイデアを盛り込んでいたのはマイクやフィル・コリンズだったのかと推測出来ます。ジェネシスの「Duke」（80年）とカラーが非常に似ていますが、制作時期がほとんど同時進行であったのでその様になったのは自然な流れだったのかと（♯24ご参照）。上はＡ面丸々費やした組曲であるアルバム同名曲における「Out Into The Daylight」。組曲後半のハイライトである本パートを盛り上げるそのドラミングは２０代前半の青年とは思えない円熟味すら感じさせます。優れた表現者は早熟である事が多く、年齢など関係ないのかもしれません。

マイク・オールドフィールドによる83年のアルバム「Crises」でもサイモンの素晴らしいドラミングが堪能出来ます。マイク・オールドフィールドと言えば「チューブラー・ベルズ」、それは映画「エクソシスト」のテーマとして有名になりましたが、実は当初映画製作者側が無断で使用し、皮肉にも映画の大ヒットによって本曲が有名になり、またそれは後に大レコード会社へと発展するヴァージンレコードの第一弾作品であった、というのは以前どこかで書いた記憶があるのですが、それが何回目であったかはもうわかりません …
「Crises」はＡ面タイトル曲は従前通りのプログレナンバー（とは言えそれ以前よりはだいぶ聴きやすくなっています）、Ｂ面は馴染みやすいポップナンバーとカラーが分かれています。どちらも見事に叩き分けているのはこれまで述べてきた通りですが、やはり長尺曲のラストを飾るプレイが聴き所であるのは言わずもがなです。
本曲は２０分以上ありますが、お時間の許す方もそうでない方も良ければご一聴の程。

何しろセッションプレイヤーですので紹介出来るのは極々ほんの一部です。90年代以降はジェフ・ポーカロ亡き後のＴＯＴＯに加入した事はあまりにも有名であり、またジャズ・フュージョン系のセッションも含めると切りがありませんのでこの辺りで。次回以降はそのプレイスタイルや機材面などに触れて行きたい思います。

転石苔を生ぜず（A rolling stone gathers no moss）という諺はイギリス発祥だそうです。これには二通りの解釈があり、職業や住所を転々と変える人は身分や収入が安定せず財産を蓄えることができない、という意味と活動的な人は常に新鮮で停滞しない、という捉え方があります。我が国では昔は前者、現代では後者の意味で捉えられる様になっているかと思われます。元は英米での解釈の相違から来ているらしく、英国は前者、米国は後者の意味で使われることに由来するそうです。「石の上にも三年」や「四十にして惑わず」といったあまり自らのポジションや信念を変えない事が良しとされる我が国ですが、平成から令和の世の中となるにつれ職業観をはじめパラダイムシフトが起きてきていると感じます。これは絶対に悪い事ではないでしょう。五十年も経てば昔はこんな滅茶苦茶・デタラメだったのか … と唖然とする事が往々にしてありますからね。しかしながら四十にして惑わずと言いますが、私来月５５歳になるのですが未だに迷ってばかりばかりいます … はて？どうしたものでしょうかね・・・

前作「Wired 」（76年）から77年のライブアルバム「Jeff Beck with the Jan Hammer Group Live」を挟み、満を持しての新作アルバム「There & Back」（80年）をリリースしたジェフ・ベック。といった文章を何かで読んだ記憶がありますが、実はこれ正確ではありません。発表年やアルバムタイトルなど事実面に相違はないのですが ” 満を持して ” という表現に疑義があります。「満を持して」を辞書で引くと、準備が整った万全の態勢で事に当たる・機会を捉える、とあります。あっ！別にこのブログ、諺に関するものじゃないですよ。昔の洋楽について書いているものです。まあ … 読んでる人は殆どいませんけどね・・・
78年暮から制作に取り掛かりリリースされたのが80年7月。この間一度中断しジェフはツアーに出るなどした事や、その理由がヤン・ハマーの女性関係のルーズさにあったのでは？などという事柄は以前書いていますので宜しかったらそちらをご一読（#7）。
しかしながらその様な経緯は微塵も感じさせない出来上がりであり、俗にジェフのフュージョン三部作などと称される前々作「Blow by Blow」と前作を含めた中において、私はともすれば本作が最高傑作ではないかと思っています。前二作におけるインストゥルメンタル・フュージョン路線は踏襲しつつ、更に本アルバムから孤高の音宇宙、スペイシーサウンド的世界観が確立されていきました。70年代半ばに興ったフュージョンブームも80年頃には沈静化し始め、世の音楽はまさしく ” ニューウェイヴ ” 時代へと変革の波が押し寄せていました。
ジェフがそれを感じ取りいち早く時代の先を行ったのか、はたまたただ単にその時演りたい音楽を創ったのかはわかりませんが、何となく後者の様な気がします。既述ですがジェフ・ベックという人はそのルーツこそＲ＆Ｒやブルースにある事は間違いないのですが、その音楽的カテゴリーにあまりこだわりは無く、それらは自身の ” 歌 ” を表現する為のあくまで ” 触媒 ” の様なもの程度に捉えていたのでは、と私は思っています。
Ａ－①「Star Cycle」。当時、新日本プロレス中継のオープニングテーマとして使用されていた事や、実はドラムをプレイしているのがヤン・ハマーである事も#7で既述の事。

Ｂ－①「El Becko」が本作におけるベストトラックではないかと私は思っています。本作から参加したトニー・ハイマス（key）によるジャジーかつ荘厳ささえ感じられるピアノのイントロからジェフのギターとシンセが絡み、やがてバンド全体で演る音楽はファストテンポのロック。そしてまたイントロを踏襲したドラマティックなエンディングを迎えるといった、ジェフの魅力を余すことなく伝える楽曲及びアレンジであり、それはハイマスの功績が大きいでしょう。

エンディング曲である「The Final Peace」。先に音宇宙などという表現を用いましたが、本曲を形容するに最もふさわしいものでしょう。89年の次々作「Jeff Beck’s Guitar Shop」に収録された「Where Were You」が有名ですが（特にアーミングだけで音程を取るテクニックにおいて）、この様な楽曲・プレイスタイルは本曲で確立されたと思います。アルバムラストにスローナンバーを持ってくるのは以前からありましたし（「Definitely Maybe」や「Diamond Dust」）、それはジェフに限った事ではありません。しかしこれまでと全く異なるのが、本曲はＢ－③で一度ステージからはけたジェフがアンコールにて独壇で再度登場し、その孤高なる宇宙的ギターサウンドで観客を魅了し終演を迎える。つまり「There & Back」というアルバムは、コンサートを観ている様な感覚に誘ってくれ、「The Final Peace」は本公演のアンコールナンバーであり、惜しまれながら皆ジェフのプレイを堪能してその後それぞれの家路へ着き、現実に戻るのです。優れたアルバムはまるで一つのショウを観劇している様な感覚を覚えさせてくれます。「ペット・サウンズ」しかり「サージェント・ペパーズ」しかり。本曲は「キャロライン・ノー」や「ア・デイ・イン・ザ・ライフ」に相当するものなのです。まあ、こんな考えは私だけかもしれませんが・・・
以前も書きましたが、失礼を承知で言いますとジェフ・ベックというミュージシャンは決して作曲・編曲能力に秀でておらず、ギター以外の楽器は出来なかった様ですし、歌がお世辞にも上手くないのも既述です。
「井の中の蛙大海を知らずされど空の青さを知る」という言葉があります（アッ！ホントにこれ諺ブログではないですよ・・・）。ジェフ・ベックというミュージシャンは井の中にいたのですが、結果として大海も知る事となった稀有な表現者だった様に思います。頑ななまでにとことんエレクトリックギターという楽器の表現方法・可能性を追求し、自身の求める ” 歌 ” を探し続けた。仰々しい言い方をすれば求道者の様な存在であり、だからこそ一般的なテクニックという意味においては決して有数のプレイヤーではない彼に皆が魅力を感じ、一緒に音楽を創り、またその音楽に魅了されていったのでしょう。
その音楽性はＲ＆Ｒ、ブルース、ハードロック、Ｒ＆Ｂ、ソウル、ファンク、フュージョンと悪く言えば節操が無い、よく言えば一所に留まらず常に進化を求める、これをどう捉えるかは人それぞれですが、この様な変遷を経てやがて何物にもカテゴライズされないワンアンドオンリーのギターミュージックを築き上げたのでしょう。苔むす事無く絶えず変革を求め新鮮で停滞しない、ジェフの魅力の最たるものは ” 歌 ” である事に疑いはありませんが、その様な音楽性ひいてはプレイスタイルにもあったのだと思います。もっとも本人には ” 求道者 ” の様な自覚はなく、ただ単にその時その時で演りたい音楽を演っただけなんだと思いますが・・・
23年の年明けにジェフの訃報を受けてから彼について書いてきましたが、もう二年半近くも経ってしまいました … この「There & Back」の後も勿論ジェフは作品を発表し活動し続ける訳ですが（むしろ私がリアルタイムで聴いていたのはその辺りなんですけど）、本投稿でジェフ・ベック回は終えたいと思います。
#7でそのギターテクニックや使用機材及びサウンド面についてはいずれ、などと書いていましたが結局無理でした… その様なサイトは山のようにある訳で、本職でない私がそれについて書いてもとても太刀打ち出来るはずもないので、自分が書くことの出来るジェフ・ベック論の様なものが書ければそれで良いのでは、と思えてきました。背伸びして出来ない事をやっても結果は伴わないものなのです。これを諺で表現して ” やっぱ諺ブログちゃうんかい！” とオチを付けて締めようと企んだのですが、いくら調べてもこれに当たるものがありません … 「蒔かぬ種は生えぬ」「水泡に帰す」「大言壮語」いずれも違いますね・・・下手な落語とせわしい人みたいですね、その心は？どちらもオチが付きません（落ち着きません）… おあとがよろしいようで。
イヤ、全然おあともよろしくないよ (´・ω・`)

昨今は楽器を演らない若い方が多いそうです。楽器の習得には時間が掛かり過ぎて、趣味としては所謂 ” タイムパフォーマンス ” とやらが悪い部類のものだからとか … 音楽の制作に関してはＤＴＭが主流でその必要がないとの事（もっとも鍵盤かギターといったコード楽器がある程度出来なければ作曲・編曲は無理なんですけどね）。とは言え昔もバンドを組むとなれば皆挙って「オレ、ヴォーカルやる！」と言ったものです。勿論その理由は楽器を練習しなくて良いからに他なりません … 時代が変わっても人間苦労はイヤなようです …
その場合は歌が上手いヤツが、もしくはジャイアン的な権力者（？）がヴォーカルとなりその他が楽器を担当する事になります。ジャイアンはともかく、歌が上手なら楽器やってなかったのにな～・・・ という方は私の年代では結構いるのでは？… ご同輩、かく言う私もその口ですよ・・・

ジェフ・ベックが76年にリリースしたアルバム「Wired」。前作のヒットを受けてさらにそのインストゥルメンタル路線を推し進めた本作は、マハヴィシュヌ・オーケストラのヤン・ハマーをプロデューサーに迎えてその作風を確立した事は以前も書きましたのでそちらをご一読頂ければ（#6）。
Ａ－①「Led Boots」が最もインパクトのある楽曲でしょう。そのドラミングに圧倒されるのは衆目の一致する所であり、後にプロデューサーとしても有名になるナラダ・マイケル・ウォルデンによるものです。
Ｂ－②「Sophie」。楽曲及び演奏全体としては本作におけるベストトラックではないかと個人的に思っています。抒情的なパートとジャンプナンバーとしての魅力を兼ね備えたその見事なアレンジと、それを余す事なく表現し切った見事な演奏は非の打ち所がありません。ジェフのプレイだけを突出させるのではなく、他のメンバーを含め全てが高い次元で昇華されています。以前の投稿で既述ですが速く、複雑、かつ正確に演奏するという技術においては皆ジェフよりも優れたプレイヤー達です。そしてこれも既述である事ですけれどもジェフはそういう意味においてはテクニック的に敵わない面子であってもあくまで ” ジェフ節 ” を貫き通します。そういうスタイル及びプレイヤーとしての信念が彼を唯一無二の存在にしたのでしょう。ちなみにＢ－③の「Play with Me」でジェフはソロを取っていません。とかく我儘、気分屋、すぐへそを曲げると言われていた人ですが、こと音楽に関してはそれがグッドプレイ・グッドミュージックであれば何も異存はなかったのでしょう。
順序を遡りますが上から二番目の動画がＡ－③「Goodbye Pork Pie Hat」。ジェフの真骨頂と言えるプレイは彼の演奏だけを取れば本作における、と言うよりもそのキャリア中全ての楽曲において白眉だと私は思っています。ジェフの訃報を受けて記した以前の投稿（#249）においても述べましたが、場面場面でチョイスするそのトーンの全てが素晴らしい。歌い手が様々な表情付けをするが如く多彩な音色やその ” 歌わせ方 ” などは歴代のギタリストでこの人の右に出るプレイヤーはいないと思います。ピックアップポジションやエフェクターのセレクト及びセッティングなども勿論あるのですが、基本はやはりその弾き方。よく歪ませるにはこのディストーションが、とか機材だけに主軸の置かれる論議を耳にする事が多いですが、それも大事なのは重々承知で敢えて言いますけれども、弾き手のニュアンス付けが成っていなければそれは上辺だけのもの。強くはじけばそれだけで歪んだトーンになりますし、ネック側で弾くかそれともブリッジ側かで全く異なってくるのです。
以前どこかで目にし、本ブログでも書いた記憶がありますが、イギリスのミュージシャン達の間で口にされる言葉で「A tone is in one’s finger」（多分間違ってないと思う …？）というものがあると。つまりその音色は指から生まれるんだ、という事。これも以前目にした記事ですけれども、Ｂ.Ｂ. キングが来日公演を行った際にコーディネーターを務めた方がアンプの手配を頼まれたのですが、その時期Ｂ.Ｂ. が使用していたアンプが日本では用意できない機種であった為にその旨を伝えると、それではフェンダーのツインリバーブを二台用意してくれと依頼されたそうです。普段使っている機材でなくて大丈夫なのかな？と思っていたそうですが、Ｂ.Ｂ. が来日し、リハーサルの場に立ち会ってその音を聴くとそれは紛れもなくＢ.Ｂ. キングの音であったそうです。
よくそのギタリストの様な音を出したくてギター本体はもとより、アンプやエフェクター及びそのセッティングまで微に入り細に入り解説や談義をしている人達を目にします。それを決して否定はしませんし、そういう努力は必要だと思いますが、しかし機材面で全く同じ環境を揃えたとしても、同じ音にはならないというのがこれまた多くのギタリストが口を揃えて言う事です。つまり ” トーンは指から生まれる、そのギタリスト自身の指にあるのだ ” という事に他ならないのです。
８０年頃からジェフがピック弾きから指弾きへ演奏法を変えたのはファンや洋楽通には結構知られている事ですが、それもより肉声に近い ” 歌わせ方 ” を求めたが故の事だったのではないでしょうか。
エリック・クラプトンと違って、ジェフ・ベックという人はお世辞にも歌の上手い人ではありませんでした（彼の全キャリア中でもヴォーカルを取っているのは数曲のみ）。だからこそ彼にしか歌えない ” 歌 ” をギターで表現した結果がギター本体を含めた様々な機材を用いた音色の変化付けであり、時にはハウリング（フィードバック）という音響トラブルでさえも ” 歌 ” の一部にしてしまったのは、ただ単に奇をてらったのでなく、貪欲に自らの ” 歌 ” を歌いたいが為の事だったのではないでしょうか。この辺りはジミ・ヘンドリックスと同じ方向性であったでしょう。二人がロックギターにおける革命児と称されるのはこれらに由来するのです。もっともジェフはギターに火を付けるという事はしませんでしたが …

そのプレイヤーの演奏で一番好きなものと、楽曲として最も優れているものが必ずしも一致するとは限りません。以前にもこの様な文章を書いた気がするのですが、２６０回にもなるとさてどこで書いたものやら？
もう調べる気も無くなったのでスルーして先に進みます。えっ、大丈夫？誰も読んでないから？・・・・・・
やだな～そんなホメないでくださいよ～

ジェフ・ベックのアルバム「Blow by Blow」（75年）について三回目です。前回Ｂ－①「哀しみの恋人達」にまるまる一回を費やしたので今回はＢ面におけるその他の楽曲について。
Ｂ－②「Thelonius」は「哀しみの恋人達」同様にスティーヴィー・ワンダーから提供されたもの。
イントロにおけるドラムの音色、フレーズ、そしてグルーヴが何とも堪りません。リチャード・ベイリーはこの時若干１８歳。決して技術的に難しいプレイではありませんが、” スペース ” を巧みに使ったフレージングはもはや円熟の域に達していると言っても過言ではありません。彼は本作に参加する以前にはボブ・マーリーのレコーディングやツアーに加わっていたらしく、間を巧く使う発想はレゲエから得たのかもしれません。
正式にクレジットされているわけではないのですが、本曲のクラヴィネットはスティーヴィーが弾いているとされています。よりファンキーな仕上がりはそのせいかも？
トーキング・モジュレーターやオクターバーを用いたプレイは控えめであり、決して怒涛の如く弾きまくるといったものではないのでひたすらジェフのプレイが聴きたい、というファンには物足りない面もあるでしょうが、コードストロークに徹したり、本曲の様にサウンドやグルーヴを重視するのもジェフ・ベックの音楽の一つです。彼は音楽本位の人なので決して自分が弾きまくらなくても良いと思っていたようです。

「哀しみの恋人達」と共に本作で取り上げられる事が多いＢ－③「Freeway Jam」はジェフにとって重要なライヴナンバーでもありました。検索すればかなり多くのものが上がってきますが二つだけ。

ライヴアルバム「ライヴ・ワイアー」（76年）に収録されたヴァージョンが最も知られているものでしょう。
交通渋滞を意味する ” traffic jam ” をもじったであろうタイトル通りクラクションや通過音のＳＥから始まる本演奏は、「高速道路」と「好きな様に」及び「渋滞」と「ジャムセッション」を掛けたダブルミーニングまさしく好き放題に演っています。

二つ目はこれも有名な軽井沢でのコンサートでのもの（86年）。サンタナやスティーヴ・ルカサーと夢の競演とうたわれた本公演は高校の同級生が観に行って当時さんざん話には聞かされましたが、現在ではユーチューブでいとも簡単に観れてしまいます。イイ時代ですね。
本曲はヴァースとコーラスで言うとヴァースのパートがワンコードです。であるので思う存分ジャム出来る、というよりもその為にワンコードにした、といった所でしょうか。ジェフらしいプレイが聴ける、という意味においては「哀しみの恋人達」よりも本曲の方が適しています。泣きのギターも素晴らしいのは言わずもがなですが、やはりジェフ・ベックの真骨頂はあらゆる音色・フレージング（トリッキーなものや時にはノイズと思えるものまで）を取り込んだ自由なプレイスタイルです。折に触れ述べる事ですけれどもその意味ではジミ・ヘンドリックスと同じベクトルのギタリストでした。
本曲はギターだけではなく他のパートも秀逸です。このベースとドラムがあってこそ本曲は成立しています。特に中盤から絡みつくようなドラムのプレイは「Scatterbrain」同様にジャズ的なインプロビゼーションです。そしてエンディングでのマックス・ミドルトンのフェンダーローズ（エレクトリックピアノ）は何度聴いても本当に素晴らしい。

最後に冒頭の動画に戻りますが、エンディングナンバーであるＢ－④「Diamond Dust」が個人的には本作におけるベストトラックです。#5で既述の事ですがジョージ・マーティンによるストリングスアレンジをジェフは快く思わないのでは？と周りの皆が思っていたところ、予想に反してジェフはそれをあっさり受け入れたそうです。とかく気難しい、子供っぽい、へそ曲がり（ヒドイ言われ様だな … ）と伝えられているジェフですが、こと音楽に関しては出来上がりが良ければノープロブレムという音楽本位の人であったのでしょう。他の事については知りませんが …
本曲はジェフのプレイのみならず、メンバー全員の演奏及びアレンジ全てが高い次元で完成されており、タイトルであるダイアモンドダストの瞬きを見事に音で表現した名演です。
ジェフのプレイだけを取れば私は本作においては「Freeway Jam」が白眉と思いますが、楽曲としての完成度という点では本曲に軍配が上がります。
ちなみにダイアモンドダストは日本語で『細氷』。大気中の水蒸気が昇華して出来たごく小さな氷晶が降ること、とあります。本曲もジェフをはじめとしたメンバー及びプロデューサーであるジョージ・マーティン達それぞれの演奏そしてスタジオワークという結晶が ” 昇華 ” して生まれた産物なのかもしれません。
あっ！ウマイこと言っちゃいましたかね！(´∀｀*)
イヤ、全然ウマくないよ (´・ω・`)
ちなみにアルバムタイトルである「Blow by Blow」の意味を永い間勘違いしていたというのも#5で既述です。宜しかったらご一読のほど。