投稿者: fdrumschool

ロック・ポップスの分野において、二枚組の大作と呼ばれるものがあります。ビートルズ「ホワイト・アルバム」、フー「トミー」、ピンク・フロイドの「ウォール」などがそれです。私は鼻血が出る程のフロイドマニアではありますが、その私を以てしても「ウォール」は”長いな … ” と冗長さを感じる事がありますし、「ホワイト・アルバム」にしても同様です。しかしながら、ある二つの作品は二枚組でありながら全くそれを感じさせる事なく、一部の隙も無いほどの完成度を誇っています。それはエルトン・ジョン「Goodbye Yellow Brick Road」（73年）と、今回から取り上げるスティーヴィー・ワンダー「Songs in the Key of Life（キー・オブ・ライフ）」（76年）です。

スティーヴィーの代表作にして一千万枚以上のビッグセールスを記録した本作は、ポップミュージックにおける金字塔としてあらゆる所で語られ、また研究し尽くされています。であるので、通り一辺倒のうわべだけをなぞる様な取り上げ方をしても意味が無いと思われるので、自分なりの「キー・オブ・ライフ」論を書いていきたいと思います（もとい …『論』などと大仰なものではありません、ただの本作にまつわる四方山話です）。貴様の考えなど読みたくないわ！
( ﾟдﾟ)､ﾍﾟｯ
という方、お忙しいお人などはちゃっちゃと読み飛ばして頂いて結構です。なおその様な趣旨ゆえに、Ｎｏ.１ヒットである「愛するデューク」「回想」や、「可愛いアイシャ」などの超有名曲は取り上げません。どちらかと言えば本作でもあまり陽の目を見ていない楽曲や、一般的なレコード評では書かれていない事柄について述べていきたいと思います。上はオープニングナンバー「Love’s in Need of Love Today（ある愛の伝説）」。スティーヴィーの多重録音による印象的なコーラスから始まる本曲は、厳かさを感じさせながら、決して堅苦しくないソフトな曲調です。大作の一曲目としてはインパクトが薄いのではないか？と思う向きもあるかもしれませんが、身も蓋も無い言い方をしてしまうと、本作はコンセプトアルバムの様な体を成しておらず、スティーヴィー自身もそんな意図もなかった様であり、その時点における彼の優れた作品集といったアルバムです（それがこんな大傑作になってしまうのですからこの時期のスティーヴィーがいかに凄かったか、という事です）。曲の途中からはお得意の唱法、フェイクやシャウトが入り始め、結局はスティーヴィーの歌以外の何物でも無い、といった仕上がりになっています。

「Village Ghetto Land」はストリングスをバックにスティーヴィーの独唱による楽曲、と思いきや、これ実はシンセなのだそうです。本作からお目見えしたＹＡＭＡＨＡ ＧＸ－１は当時一千万円以上したもので全く売れなかったとの事。しかし本器が彼の創造に多大な貢献をした事は間違いない様です。ＴＯＮＴＯシンセとそのスタッフであるマゴーレフ＆セシルが本作に関わる事はありませんでした。これはスティーヴィーの意向というより周囲の思惑であったとか。厳かな楽曲ではありますが、歌詞はかなり悲惨で、貧困層について歌ったもの。狙ったものなのでしょうが曲調との対比が印象的です。

マイケル・センベロのギターをフィーチャーした４曲目のインストゥルメンタル「Contusion」も素晴らしいのですがここでは割愛。Ｂ面の２曲目「Knocks Me Off My Feet（孤独という名の恋人）」は地味ではありますが心に染み入る曲。個人的には本作でもかなり好きな方の楽曲なのですが、他の有名曲の陰に隠れてしまっている感があります。尚コーラスから演奏まで全てスティーヴィーによるもの。

「孤独という名の恋人」の様なシンプルに愛を歌った曲があれば、上の「Pastime Paradise（楽園の彼方へ）」は哲学・宗教的であり、享楽的で他人任せな人間を戒める内容。先述の通り、音楽的にも、歌詞の面においても本作は ”ごった煮” の様なものです。ただしそれが、恐ろしい程に美味な”ごった煮” であったからこそ時代を超えて名盤とされているのです。

「孤独という名の恋人」と同様に本作ではあまり陽が当たらない楽曲ですが、私はともすれば本作のベストトラックではないかと思っているのが「Summer Soft」。題名通り柔らかな印象の始まり方ですが、サビ（ ” And She(He)’s Gone ” ～のパート）からの盛り上がりが見事。本曲は２回目のサビにおけるエンディングにて半音転調し、その後それを繰り返していくという
”どこまで行くんだ～《 ﾟДﾟ》” というテンション感が肝になっています。
３５年程本曲を聴いてきましたが、今回初めて気が付いた事がありました。転調は２回目サビ終わりからと思い込んでいたのですが、ギターを手に取って実際弾いてみると、２回目サビ頭で違和感が？　実は２回目サビ頭の時点で（２：１７辺り）半音上がっているんですね。その後４回転調を繰り返し、整理すると１回目サビがＢｍ、２回目サビ頭でＣｍ、そこからＣ＃ｍ、Ｄｍ、Ｅ♭ｍ、そして最後はＥｍまで上がります。何気なく聴いていただけではわからない事がまだまだあるものです（でも音楽はあまり難しく考えずに何となく聴くものだと思っていますけどね、私は）。オルガンが効果的に使われていますが、これはサポートミュージシャンによるもの、スティーヴィーは生ピアノをプレイしています。エンディングのオルガンソロはもうちょっと長く聴いてみたかった、と個人的には思っています。

冒頭で本作を二枚組と紹介しましたが、私以上（４９歳）の年代ならおわかりでしょうけれども、アナログレコードではＬＰ二枚＋ＥＰ一枚というパッケージでした（ＣＤでは二枚に収録）。二枚では収まり切らなかったんでしょうけど、それは彼の溢れ出る創作が如何に凄かったかの表れでしょう。そのＥＰ盤におけるＡ面２曲目「Ebony Eyes」。宗教的厳かさを感じさせる曲、スリリングな１６ビート、これまでのポップミュージックにはカテゴライズされない斬新な楽曲と、様々なスタイルが詰め込まれている本作ですが、この曲の様に飄々とした、どこかコミカルでさえあるナンバーもあります（でもそれさえも素晴らしいのですけれどね）。本作が万人に愛されている所以は、「エボニー・アイズ」の様な肩肘張らずに聴く事が出来る楽曲も存在している事ではないのでしょうか。

以上で丁度半分を紹介しましたが、当然これ程の大作を一回で書き切れるとは思っていません。ですので次へ続きます。次回は「キー・オブ・ライフ」その２です。

73年8月6日、スティーヴィーを乗せた車がトラックを追い抜いた際、接触により積み荷の木材が崩れ落ち、それがスティーヴィーを直撃し一時は生と死の境をさまよいました。前回の最後にて触れた交通事故の概要は上の様なものですが、驚異的な回復を遂げ、一か月半後にエルトン・ジョンのコンサートへ登場したのも既述の通りです。しかし本来予定していた「インナーヴィジョンズ」のプロモーションは当然出来ませんでした。ところがこのアクシデントがメディアにおいて報じられる事によって注目を浴び、結果的にセールスを押し上げた面もあったとの事（そんな事は関係なく名盤であるのは言わずもがなですが）。

一度死に直面した人が、その後の思想・人生観などを変えてしまうという事はよく耳にします。率直に言って音楽面においては、その事故前後によってスティーヴィーの作品が極端に変わったとは思いませんが、音楽面以外では影響が出ている様です。74年6月リリースの「Fulfillingness’ First Finale（ファースト・フィナーレ）」。タイトルやそれまでの彼の歩みを網羅した様なアルバムジャケットからして、スティーヴィーがそのキャリアに一区切り付けようとした事は明らかです。命は有限であるという、当たり前の事なのですが、普段は忘れてしまいがちな事実を再確認したのでしょうか。かと言って、本作が生と死、あるいは思想・宗教観などに向き合った様な重厚な作品、などと言う事は全くなく、むしろ三部作中では最も聴きやすい仕上がりになっていると私は思います。上はオープニングナンバー「Smile Please」。本作から参加しているマイケル・センベロのギターが印象的なイントロです。私の世代だとセンベロと言えば映画『フラッシュ・ダンス』のサントラに収録されたＮｏ.１シングル「マニアック」（83年）がすぐに思い浮かびますが、元は非常に優れたセッション・ギタリストです。次作「キー・オブ・ライフ」においても多大な貢献をする事となります。

「Too Shy to Say」は「You and I 」からの流れをくむ様なバラード。ただし「You and I 」と異なるのはシンセを使わずスティール（スライド）ギターを採用した事。この当時のシンセでも似たような音色は作れたかとは思いますが、やはり細部においてはスライド（厳密に言えばこのプレイはペダルスティールによるもの。ハワイアンでお馴染みのやつ）特有のフレーズを聴く事が出来ます。多分シンセで演ってはみたものの満足がいかなかったのではないでしょうか。

「Boogie On Reggae Woman」はシンセベースがとにかく印象的な曲。ベースの奇抜さとハーモニカソロ以外は割と飄々かつ淡々と演奏している様に聴こえますが、歌詞はかなり性的なもの。どんな歌詞かって？………
ここでは言えません・・・♡♡♡(´∀｀　)♡♡♡

ラテンフィールの「Bird of Beauty」。クイカというパーカッションによる独特のサウンドから始まるサンバとクロスオーヴァーファンクの混合とも言えるナンバー。70年代クロスオーヴァーの香り漂う、この時期のマイルス・デイヴィスやハービー・ハンコックにも通じるリズム・サウンドです。

本作は「フィンガーティップス」と同時発売のライヴ盤（63年）以来となる、ポップスチャートでの１位を記録しました。先述の通り生死を彷徨った直後ではありながら、決して死生観・宗教などの重苦しいテーマ・雰囲気を漂わせるような事無く、ポップミュージックとして完成しているのが功を奏したのも一因ではないかと私は思っています。

その中にあって唯一の例外が上の「They Won’t Go When I Go（聖なる男）」。厳粛な雰囲気に満ちた本曲は、直接的な表現こそ無いものの、天国や地獄といった来世について歌っている様です。ここでもシンセの使い方が実に巧妙で、それ無しでは本曲は成立しなかったと思われます。

エンディングナンバー「Please Don’t Go」。最後を飾るに相応しいまさしく大円団といった雰囲気の楽曲。途中からゴスペル風になる本曲は、前曲の「聖なる男」が静的なゴスペル調の曲であったのに対して、本曲は動的なゴスペルで締めくくる、まさに ”ファースト・フィナーレ” といったエンディングの迎え方です。

所謂 ”三部作” は本作にて完結し（スティーヴィーが ”三部作” などと考えて創っていたかどうかはわかりませんが）、いよいよ「キー・オブ・ライフ」の制作へと向かう訳ですが、その辺りはまた次回にて。

あまりに周知の事実と思って今まで触れてきませんでしたが、スティーヴィー・ワンダーは盲目です。未熟児として生まれ、保育器における酸素の過剰摂取により視力を失ったそうです。「トーキング・ブック」に次ぐアルバム「Innervisions」（73年）。”内なる眼・視界” の様な意味になるのでしょうか、本作はスティーヴィーだけに見える世界を歌ったものなのかも。

スティーヴィーの代表作にて最高傑作は「キー・オブ・ライフ」（76年）とされるのが一般的ですが、本作「インナーヴィジョンズ」こそ最高傑作とするファンが決して少なくなく、それがうなずける程に音楽的に優れた、密度の濃い（ともすれば息苦しささえおぼえるほどの）傑作アルバムです。オープニングナンバー「Too High」。冒頭からのテンション感に ”まともな曲じゃないな”（誉め言葉ですよ）と思わせる楽曲。クロスオーヴァーとファンクが見事に融合した本曲は、印象的なシンセベース及び電気ピアノ、ヴォーカルにかけられたエフェクト、コーラスなどが妖しげな雰囲気を漂わせています。タイトルや曲の雰囲気からしてドラッグについて歌っているのかな？と推察される所ですが、確かにドラッグに関する歌詞でも、内容はそれを戒めるものです。”ピ〇〇ル〇き” みたいになっちゃダメだぞ！
☆(ゝω・)v 　・・・・　やかましい！(._+ )☆＼(ｰ.ｰメ)

「Living for the City（汚れた街）」は歌唱の素晴らしさについてよく賛辞を贈られる楽曲。ストーリー仕立ての歌詞であり、状況によって歌い方を使い分けているので、ちょっとしたドラマを観ているよう（中間部には劇のような場面がありますし）。エンディングが次曲に繋がっているので、本曲だけで聴くとブツッと切れてしまうのが難点です。

レッド・ホット・チリ・ペッパーズによるカヴァーでもよく知られる「Higher Ground」。「迷信」や「愛するデューク」もそうですが、どうしたらこの様なうねり・粘りといったグルーヴが生まれるのでしょうか？当然ドラムはスティーヴィー自身。ドラムが本職ではないので、そのプレイには勿論粗い部分もあるのですが、このドラミングはスティーヴィーにしか出来ないものだと私は思っています。

前回、「You and I 」を含めて私なりの ”スティーヴィー三大バラード” が あると述べました。「All in Love Is Fair（恋）」はそれには含まれていませんが、それらに勝るとも劣らない傑作バラードです。その三曲とはカラーが異なるので別枠としているだけです。本曲は最初の妻　シリータ・ライトとの別れについて歌った曲だと言われています。実際における二人の結婚生活がそれほど綺麗事であったかどうかは『？』が付く所であるのは前回述べた所ですが、少なくとも本曲においては狂おしいほど切ない想いが朗々と、かつ劇的に歌われています。スティーヴィーによる名唱の一つ、と言って間違いないでしょう。

個人的には本作のベストトラックである「Golden Lady 」。シンコペーションが際立つリズム（特に左チャンネルのハイハット）、ムーグによるベースとシンセのフレーズはかなりテクニカルで、ともすれば歌を邪魔しかねない程ですが、全くそれは感じさせません。よくバンドなどでは先ずたたき台があって、スタジオでセッションを重ねていく内に、時には最初描いていた形とは異なる着地点に落ち着く、という話をよく聞きます。しかし、おそらくこの頃のスティーヴィーは完成形が頭にあって、それにどう近づけていくかという作業に没頭していたのだと思います。各パートだけを個別に聴くと『いったい何が創りたいんだ？』と理解が困難なのですが、しかし全てを合わせてみると見事にピースがはまるという訳です。60年代のブライアン・ウィルソンも（特にペット・サウンズは）そうであったとの事。ちなみに「汚れた街」の次が本曲で、この二曲は繋がっているので続けて聴くべきです、というより本作は丸々一枚通して聴くべきアルバムです。

「インナーヴィジョンズ」は勿論ラブソングもありますが、ドラッグ、理想社会、人種差別、宗教、その歌詞だけでは理解できない抽象的・観念的なテーマなど、歌の内容においても変化を遂げた作品と評価されています。これは人好き好きでしょうが、マーヴィン・ゲイの「ホワッツ・ゴーイン・オン」等と同様に、ラブソングだけを歌っていれば良かった時代の終焉を告げるものだったのではないでしょうか。

本作リリースのわずか三日後、交通事故によりスティーヴィーは一時意識不明の重体となります。しかし驚異的とも言える回復を見せ（若干の後遺症は残りましたが）、9月末にはエルトン・ジョンのコンサートへゲストとしてステージに昇りました。この事故がその後の創作、大仰に言えば人生観へも影響を与えたらしく、スティーヴィーの作品はまた新たなる境地を示し始めますが、その辺はまた次回にて。

ジェフ・ベックについてはこのブログの初期において取り上げましたが（#5～#7）、とにかくこの人は子供の様な人なのだそうです。「迷信」をめぐるスティーヴィー・ワンダーとジェフの確執についてはよく知られた所ですが、かいつまんで言うと、「迷信」は「トーキング・ブック」においてプレイしてくれたお礼としてジェフのために書いた曲で、72年の夏頃にはジェフは既にバンドで演奏しており、シングルとしてのリリースも考えていたそうです。ところがスティーヴィーの前作「心の詩」がセールス的には（60年代と比較して）今一つだった事から、マネージメントサイドが強引に第一弾シングルとして発売し、あろうことかそれがＮｏ.１ヒットとなってしまい、ジェフは『スティーヴィーの野郎！オレの為に書いたと言ってたくせに！！』と激怒したとか。スティーヴィーも意に沿わぬ形でリリースされてしまったもので、ジェフに対しては申し訳ないと謝辞を述べたと言われています。なのでそこまで怒ることもないとは思うのですが・・・
前回たまたま三大ギタリストという単語が出ましたが、残る二人、ジミー・ペイジはしたたかというか狡猾というか、失礼を承知で言えば悪魔的な人物で、愛人二人がホテルで鉢合わせしてしまった際、取っ組み合いのケンカを始めた彼女たちをニヤニヤしながら眺めていたとか・・・
エリック・クラプトンはとにかく神経の細い人で、すぐに酒とドラッグに逃げてしまい、また女性に対してとにかくルーズであったとか・・・
あれ！一人としてちゃんとした人間がいない！！∑(ﾟﾛﾟ〃) 今回の枕はこんなしょうもない話から・・・・・

全米Ｎｏ.１シングル「You Are the Sunshine of My Life（サンシャイン）」をオープニングナンバーとするアルバム「Talking Book（トーキング・ブック）」（72年）。言わずと知れた大ヒット作であり、スティーヴィーの黄金期は本作から始まったと、一般的には言われる作品です。前作「心の詩」と同時期には既に録られていたとされる「サンシャイン」。バックヴォーカルを務めていた男女のシンガーによるパートを一聴するととても心地よいポップな曲調ですが、スティーヴィーのパートに入ると様子が変わってきます。動的なリズム・サウンドになり、快適さと躍動感が同居する如何とも形容しがたい稀有なナンバーです。ちなみに自身でプロデュースするようになってからは殆どが自らのシンセベースでしたが、本曲に限っては弦のベースです（セッションベーシストによる）。決してシンセベースが悪いという訳ではありませんが、ボサノヴァ的なこの曲のグルーヴは、やはりシンセでは不可能と判断したのかもしれません。

ジェフ・ベックとのいわくについては既述の「Superstition（迷信）」。「フィンガーティップス」以来の全米１位を記録した本曲は今更説明不要なほどの代表曲ですが、このファンキーなグルーヴは何百回聴いてもたまりません。

そのジェフの為に「迷信」を書くキッカケとなった曲が上の「Lookin’ for Another Pure Love」。本曲ではジェフのみならずバジー・フェイトンもギターで参加しています。そのキャリアとしてはラスカルズのリードギタリストとして有名なフェイトンは、前作「心の詩」に収録の「スーパーウーマン」にて素晴らしいプレイを披露しています。間奏のソロはジェフだというのはよく言われる事でそれは間違いないと思いますが、歌のパートから既に右・左チャンネルにてそれぞれギターが聴こえます。正直どちらがどちらかは判別が付きかねます（ギターソロはセンターに定位されていますので）。そのギターソロはジェフ節満開、といったプレイ。”トュルルトュルルトュルルトュルル・・・”といったトリルの連続はジェフの十八番。１：５８～５９にて ”Ｙｅａｈ！Ｊｅｆｆ！！” とスティーヴィーの掛け声が聴こえます。そうするとメインの歌とジェフのソロは一緒に録ったのかな？と推察も出来る所ですが真相は？・・・「迷信」の件の埋め合わせとして「ブロウ・バイ・ブロウ」にて「哀しみの恋人達」と他一曲を、ジェフの為に提供したのは結構知られた話です。

シリータ・ライトとは72年の春頃に離婚しています。「Tuesday Heartbreak」はシリータとの別れについて書かれた曲だと言われています。離婚後もかなりの期間において、関係は続いていたとされる二人ですが（音楽面、また ”それ以外” においても）、本曲では女性が新しい恋人を作ったからという一節がありますけれども事実は異なる様で、スティーヴィーも異性関係はかなり派手だったそうなので、”どっちもどっち” というのが真相の様です。また本曲ではデイヴィッド・サンボーンが参加しています。当時はまだそれほどビッグネームではなかったと思いますが、バジー・フェイトンと共にポール・バターフィールド・バンドに在籍していた事があるので、そのつながりだったのかもしれません。その後ジャズ・フュージョン界を代表するアルトサックス奏者となるサンボーンですが、意外にも出発点はブルースのバンドだったのです。彼についてよく言われる ”泣きのサックス” というのは、その辺りに起因するのかもしれません。

スティーヴィーの独唱・独演による「You and I 」。前回、「心の詩」の「Seems So Long」にて、バラードのスタイルが出来上がった、と述べましたが。本曲はそれの先ず最初の完成形にて大名曲。ファンキーでグルーヴィーなチューン、爽やかなポップソング、スリリングなクロスオーヴァー的１６ビート、それまでのポップスの枠に当てはまらない斬新な楽曲、彼はどの様なスタイルでも創りこなしてしまうソングライターですが、バラードというのが一つの重要な要素であるのは間違いない所です。私は本曲を含めスティーヴィーの ”三大バラード” があると思っています（後の二つはいずれ）。このようなメロディックな曲はシンプルにピアノだけで良く、シンセは不要なのではと普通は思ってしまいますが、これに関してはシンセが無ければ成立していなかったでしょう。はじめに独唱といった通り、バックコーラスは無く、その代わりを担っているのがシンセであり、所謂オブリガード、裏メロ的な使われ方です。これが人の声だったとしたならば、スティーヴィーのエモーショナルな歌がスポイルされていたのでは、と私は思っています。本曲を音楽的に解説しているサイトが幾つかありますので、メロディ・コードの展開などを詳しく知りたい方はそちらを参照して下さい。本曲の素晴らしさについて衆目が一致する所はエンディング部のヴォーカルです。それまでの抑制が効いた歌は、全てがこのパートへ帰結するためのものだと言えます。

全曲について述べたいところですが、きりがないのでこの辺で。

スティーヴィー・ワンダーは50年5月生まれ、ですので70年5月に20歳になった訳です。そして翌年の21歳をもってモータウンレコードとの契約期間終了を控えていました。モータウンにはこの頃から内部で不協和音が響き始めていました。社長のベリー・ゴーディは独断で会社をデトロイトからＬ.Ａ. へ移しミュージシャン達から反感を買いました。また、世の音楽は転換点を迎えており、アルバムを一つのトータルな作品とみなし、コマーシャリズムだけを追及する音楽スタイルからの脱却を図り始めていましたが、ゴーディはあくまで３分弱のポップソングこそが理想、という考え方でした。であるから当然曲に社会的・政治的メッセージ性を込める事にも否定的で、マーヴィン・ゲイの「ホワッツ・ゴーイン・オン」にも決して良い顔をしませんでした。

スティーヴィーは既にマーヴィンやダイアナ・ロスと並んでモータウンのドル箱スターとなっていましたので、勿論ゴーディも契約更改をさせようと目論んでいました。しかし、スティーヴィーも当然ミュージシャンとしての自我（かなり強烈な）が芽生えており、今までの様なモータウンのやり方には素直に従うつもりはなかったのです。二人の間で具体的にどのようなやり取りがあったかはわかりませんので、その後の作品から推して知るべしですが、プロデュースは自身で行う、共同作曲者も付けない等、少なくとも音楽的には好きに演らせてもらうと、出来得る限り余計な干渉はしてくれるな、というものだったのでしょう。という訳で二十歳になったスティーヴィーは70年の夏頃から次作の制作に取り掛かり、そうして出来上がったのが71年4月リリースの「Where I’m Coming From（青春の軌跡）」です。前回、71年という年が重要な意味を持つような言い方をしたのはこういう訳です。上はオープニングナンバー「Look Around」。いきなりクラシック的雰囲気を漂わせる本曲を一曲目に持ってくる所からして、作風の変化が一聴瞭然です。アルバム全体を通して、これまでよりも内省的、悪く言えば地味で暗い作品です。チャートアクションだけを取ればポップス６２位・R&B７位と、芳しくないものでした。唯一の例外はシングル「If You Really Love Me」がポップス８位・R&B４位というヒットを記録した事。本曲は”60年代モータウン的スティーヴィー” のカラーを残しつつ、良い意味で新しいスタイルと巧く折り合いをつけた佳曲です。

地味で暗い、などと酷い言い方をしましたが、本作はその後のスティーヴィーにとって大変重要な意味を持つアルバムです。上の「Never Dreamed You’d Leave in Summer」は、その後の「You and I」や「Lately」といった、スティーヴィーならではの劇的なバラードの萌芽的楽曲です。https://youtu.be/ltwVFCo_h4c
エンディング曲「Sunshine in Their Eyes」。アレンジに旧モータウン色を脱して切れていない感も若干ありますが、７分に渡る本曲は、ソングライティング面における彼の新境地を見出す事が出来ます。ちなみに70年9月にスティーヴィーはソングライターであったシリータ・ライトと結婚しています。結婚生活自体は１８ヶ月間と短いものでしたが、シリータは妹のイヴォンヌと共にスティーヴィーの作品と深く関わる事となった人物であり、「青春の軌跡」は全て共作名義となっています。

70年代のスティーヴィーを語る上で欠かせないのがシンセサイザーです。彼はこの時期にその後の音楽性に多大な影響を与えるものと出会います。ＴＯＮＴＯシンセサイザー。私は電子キーボード類に明るくないので、詳細に興味がある方は自身で調べてください。ムーグシンセサイザーを改良、発展させた本器の音を聴いたスティーヴィーはすぐさま開発者達に会いに行ったそうです。本器を使用し、また開発者達にもエンジニアとして加わってもらい新作が完成します。72年3月にリリースされた「Music of My Mind（心の詩）」です。

76年の超大作にて代表作である「キー・オブ・ライフ」、そしてそれにつながるとされる「トーキング・ブック」「インナーヴィジョンズ」「ファースト・フィナーレ」を俗に ”三部作”と呼んだりしますが、実際は「心の詩」からつながっていると思います。もっとも三部作という言い方を欧米でもするのかはわかりません。 ”三大ギタリスト” と同じく日本だけのものかも。オープニング曲「Love Having You Around」。まさしくニューソウルと呼ぶに相応しい、前作にてその片鱗を覗かせてはいましたが、それが見事に開花したナンバーです。様々なアイデア、従来とは異なる手法が採用されています。音質は非常にクリアで、ステレオの定位（左右の振分け）が実に巧妙、ヴァリエーションに富んだバッキングヴォーカル、その中でもトーキングモジュレーター（管に声を通して音色を変化させる）が効果的に使われています。エレクトリックピアノに関しては、本作からフェンダー社のローズピアノが使用されていると言われ、それが前作より表情豊かなプレイを可能にしているようです。非常に計算されつくしたバッキングトラックでありますが、それが要であるスティーヴィーの歌を邪魔する事は全くなく、全てが渾然一体となって、このブラックフィーリング溢れるナンバーを盛り立てる事に成功しています。

シンセやエレピと並んで、スティーヴィーの音楽にとって重要なキーボードがクラビネットです。「迷信」のイントロが良く知られる所ですが、上の「Happier Than the Morning Sun」もクラビが印象的な曲。マルチで重ねたようにも聴こえますが、エフェクターのコーラスをかけたものと言われています。ビートルズの「ヒア・カムズ・ザ・サン」に影響されたとかされないとか。

「Seems So Long」も新境地が垣間見える楽曲。フリーなコンテンポラリージャズのようなスタイルのバラードは、淡々と始まり、やがて劇的なエンディングを迎えるといったスティーヴィーのバラードにおける一つの型が出来上がった初期の作品と言えます。パーカッション的なフリーなドラミングも素晴らしく、彼のセンス・グルーヴを堪能出来ます。

私が思う本作のベストトラックであり、黄金期の幕開けを象徴するナンバーが上の「Superwoman」。異なる二曲をつなぎ合わせたこの８分に渡る大曲は、先の「Seems So Long」同様にＴＯＮＴＯシンセが効果的に使用されています。楽曲、アレンジ、演奏、そして勿論スティーヴィーの歌といった全ての要素が非常に高い次元で結び付き、更に高みへと昇華されている初期の名曲です。

「心の詩」はポップス２１位・R&B６位と、前作よりはだいぶ良かったものの、次作「トーキング・ブック」以降と比べるとチャートアクション的には決してヒットとは呼べないもので、それが現在においても今一つ評価が低い原因かと思われますが、所謂スティーヴィーの黄金期は本作から始まったと私は思っています。また音楽的な面ではないのですが、21歳時の契約更新の際にはやり手弁護士を雇い、スティーヴィー本人は創作に専念出来たというのも、この時期に急激な（異常とも言える）音楽的飛躍を遂げた遠因になっていると言う人もいます。

かくして黄金期へのお膳立ては揃った訳ですが、今回はここまで。次回は当然「トーキング・ブック」についてです。

前回の最後の方にて触れたスティーヴィー・ワンダー。年初からブラックミュージック特集を続けていますが（ 誰もおぼえてませんよね！(*ﾟ▽ﾟ) ）、本当は特集のトリを飾る人にしようと思っていました。ですが、ちょうどスティーヴィーの名前が出てきた所で取り上げてしまおうと思います。人間いつどうなるか先はわからないので、例えば無実の罪で投獄されたり
∥||Φ(|’Д`|)Φ||∥
突如来襲してきた宇宙人にさらわれてしまったり
～👽👽👽Φ(‘Д`)Φ👽👽👽～
朝目が覚めると一度も来た事がないダンジョンの最深部に取り残されていたり
／~~＼(‘Д`)／~~＼
かように、人生は何があるかわかりませんので書けるうちに書いておきます・・・
ネーヨ (´∀｀　)

ポップミュージック史上、最も才能を持ったミュージシャンだと私は思っています。その音楽的才能においてはジョン・レノン、ポール・マッカートニーをも凌ぐ存在です。数多くのヒット作を放ち、今更説明不要な程・・・と思ったのですが … 。これだけのビッグネームでありながらその全キャリアにおいて、特に60年代における彼の音楽性及びその背景については意外と語られていないのでは。それは彼の黄金期が70年代前半から80年代初頭にあるので、致し方ありません。かく言う私もその時代こそが彼の真骨頂だと思っている一人です。しかし60年代の活動に触れずしてその後の音楽性を語ることも片手落ちであるので、出来るだけ簡潔に60年代をまとめていきます。機会があればこの時代についてはいずれまた触れます。上は63年の全米Ｎｏ.１ヒット「Fingertips」。レコードではＡ面がパート１、Ｂ面がパート２と分かれています。そして同日発売のライヴ盤も同じく全米１位。レコーディング時は１２歳であった少年のプレイがＮｏ.１となった、これは快挙としか言いようがありません。スティーヴィーを語る上で、モータウンレコードの創設者　ベリー・ゴーディに触れない事は不可能ですが、彼のプロフィールはどうぞウィキ等で。
きっかけはスティーヴィーの少年期における音楽的相棒の親族に、スモーキー・ロビンソン＆ミラクルズのメンバーがいた事。凄い子供がいるといってモータウンのスタジオで、ゴーディの前にてお披露目が行われました（ダイアナ・ロスもその場にいたらしい）。ゴーディは最初、その歌声よりも器楽演奏の腕前に目を付けたそうです。ピアノ・ハーモニカ・ドラム・パーカッションを巧みにこなすその天賦の才に将来性を感じたとの事。意外にも歌声にはそれほど魅かれなかったらしいです。それは致し方なかったかもしれません。声変わり前の少年なので、今後その歌声がどの様になっていくかは未知数であったのですから。もっともその心配は全く的外れなものとなりましたが。
「Fingertips」及びアルバムの中にはその後の、具体的に言えば60年代後半からのスティーヴィーの才能の片りんを見出す事は難しいです。ミュージシャンによっては１０代でデビューし、その時点で既に音楽が完成されているという人もいますが、スティーヴィーは決してそうではありませんでした（12歳ですからね）。当時における彼の才能は、むしろ聴衆を盛り上げるステージパフォーマンス、テンションの高さに顕著で、ゴーディ達もその天性の素質に注目していました。この頃のステージでは、興奮し過ぎたスティーヴィーが持ち時間が終わってもステージを降りないので、大人たちが抱えて引きずりおろすという事もあったそうです。しかし、その後二年半の間は「Fingertips」の様なヒットには恵まれませんでした。スティーヴィーの音楽的才能が開花し切っておらず、またモータウン側もどのように彼を扱えば、売り出していけば良いのか試行錯誤が続いていたようです。

潮目が変わったのは65年暮れ、上の「Uptight (Everything’s Alright)」が「Fingertips」以来の大ヒットとなります（ポップスチャート３位・R&B１位）。絵に描いた様な快活なソウルナンバーである本曲は、ローリング・ストーンズの「サティスファクション」にインスパイアされた曲。アメリカのソウル・R&Bに心酔したロンドンの若者たちによる楽曲が本場の黒人少年に影響を与える、このあたりは誠に興味深いものがあります。

ここから60年代におけるスティーヴィーの快進撃が幕を開けます。70年までにポップスチャートにて、「アップタイト」を含め１０曲のＴＯＰ１０ヒットを世に送り出す事となりました（60年代って言っているのになんで70年を含めるの？というのには理由があります、それは次回にて）。全てがオリジナルという訳ではありませんが、彼のソングライティング能力が萌芽した時期と言えます（ただしこの時期は全て共同作曲者が付いていました）。そしてゴーディが懸念していた声変わりという点においても全く問題なく、シンガーとして更なる飛躍を遂げたのです。上の二つはこの時期において、自作曲でなおかつその歌唱が素晴らしいと私が独断で選んだもの。「I Was Made to Love Her」（67年、ポップス２位・R&B１位）はチャカ・カーンもカヴァーしたのは以前取り上げた通り（#105ご参照）。「I’m Wondering」（67年、ポップス１２位・R&B４位）はアルバム未収録曲ですが歌声が見事で、「I Was Made・・・」同様にその後のヴォーカルスタイルが確立されたものの一つではないかと思っています。

今回のテーマである「My Cherie Amour」（69年、ポップス４位・R&B４位）。本曲はビートルズの「ミッシェル」に影響を受けて創られた曲、なので仏語の ”Amour” が冠せられたという訳。ビートルズ、とりわけポール・マッカートニーとは縁が深く、82年の「エボニー・アンド・アイボリー」はあまりにも有名ですが、二人は60年代半ばには既に会っていたとの事。曲は16歳（66年）の時に既に書き上げていたらしく（「ミッシェル」の発売直後）、恋人との別れが元になっています。67年中にはヴォーカル以外のパートが録音され、翌68年1月には歌が録られたそうですが、モータウン側が歌に問題があるとして一年後の69年1月まで取り直し、ようやくリリースにこぎつけたそうです。67年頃（17歳）には、その歌唱スタイルはほぼ完成されていたと思うのですが、何が問題であったのかは謎です。メロディメイカーとしての才能が開花されたこの名曲は、はじめは「I Don’t Know Why」という曲のＢ面でした。本曲はモータウンらしくない ”硬派” な曲で、玄人には評価が高いのですが（ストーンズが後にカヴァー）、一般ウケはしそうにないのですぐに「マイ・シェリー・アモール」をＡ面として再発されました。人によっては売れ線、アレンジが古臭いと揶揄する人もいるようですが、そのメロディの素晴らしさは文句の付けようがなく、スティーヴィーによる傑作の一つと位置づけて良いでしょう。

この他にも、ボブ・ディランのカヴァー「Blowin’ in the Wind（風に吹かれて）」（66年、ポップス９位・R&B１位）はスティーヴィーが社会的メッセージ、政治観を歌詞へ反映させる契機となった作品ですし、バート・バカラックの名作「Alfie」（68年、ポップス６６位）はハーモニカによるインストゥルメンタルであり、イージーリスニング的と敬遠するファンもいますが、そのハーププレイは素晴らしいもので、一概に否定は出来ない楽曲と私は思っています。この様に、色々な切り口からスティーヴィーを取り上げると、60年代だけでもまだまだ書き尽くせないのですが、きりがないのでその辺りは機会があればいずれまた。
次回は71年からのスティーヴィーについてです。

アヴェレージ・ホワイト・バンドとタワー・オブ・パワーを続けて取り上げてきましたが、彼らの音楽において基礎的部分を担っているのがファンクミュージックである事は間違いありません。ファンクと言えば、ジェイムズ・ブラウンやスライ＆ザ・ファミリー・ストーンが真っ先に思い浮かぶ方が多いのではないかと思われますが、私にとってはこの曲です。

プリンスによる86年のＮｏ.１ヒット「Kiss」。プリンスは昨年のはじめに80年代特集の皮切りとして取り上げましたが（#49～#51ご参照）、これ程までに才能の塊の様な天才的ミュージシャンは何度触れても触れ足りないほどですので再度取り上げます。本曲が収録されているアルバム「Parade」及びその時期のプリンスの音楽性については、#51で多少なりとも既述ですので重複は避けますが、ファンク・ロック・ポップスといった枠には収まり切らなくなっていった、転換点とでも呼ぶべき作品です。

#51でも書いたことですが、これは86年時点におけるプリンスなりのアメリカンミュージック集大成的作品ではないかと私は思っています。「Kiss」はその中の一音楽、端的に言うとジェイムズ・ブラウンを米音楽における重要な構成要素として織り込んだ楽曲です。前回までのデヴィッド・ガリバルディも少年期にジェイムズのステージを観て、その後のミュージシャン人生に多大な影響を及ぼされた人である事は述べましたが、プリンスも同様です。というよりも、60年代以降、ジェイムズに直接、或いは間接的に影響を受けなかったミュージシャンは、ビートルズにおけるそれと同様に、存在しないのではないでしょうか。

「Kiss」は上のジェイムズによる大ヒットナンバー「Papa’s Got A Brand New Bag（パパのニュー・バッグ）」を良く言えばリスペクト、悪く言えば模倣した楽曲です。実はこの曲、元はプリンスファミリーの為に書かれた楽曲であり、当初は全く違うアレンジであり、しかもエンジニアであった人物がある程度仕上げた段階のものを、プリンスが一方的に手を加え（この段階で「パパのニュー・バッグ」的なギターカッティングを加えるなどしてジェイムズのように仕上げ直したらしい）、しかも『やはりこれは自分の曲にする』と言い放ったそうです。
工ｴｴｪｪ(´ﾟдﾟ｀)ｪｪｴｴ工　周囲の人間はたまったもんじゃないでしょう …………
しかし天才とはそういうものなのです。個人的に付き合いたくはないですが、絶対に・・・
クロスオーヴァー（フュージョン）の１６ビートと混同してしまいがちですが、ファンクのそれは元来とてもシンプルなものです。「Kiss」はムダな音を極限まで排除した楽曲、とよく言われます。確かにその通りで、本質だけを見事に切り取ったものでしょう。ジェイムズとプリンスの歌唱スタイルが似ているとは決して言えませんが、プリンスはファンクが持つ、人間を根源的に踊り揺さぶらせる様なファンクビートのエッセンスを抽出し、この曲を創り上げました。そしてそのお手本となったのがやはり彼をおいては他ならない、ジェイムズ・ブラウンその人だったのではないでしょうか。

前述の通り、黒いの白いの問わず、アメリカ音楽総まとめの様なアルバムであったので、ファンク・R&Bなどに限らず様々な要素が盛り込まれています。上のオープニングナンバー「Christopher Tracy’s Parade」は、華やかな幕開けの様に始まったと思いきや、途中からおかしくなっていきます・・・
前作「Around the World in a Day」（85年）の流れを汲んで「サージェント・ペパーズ」的なサイケデリックカラーを漂わせ、これが評論家達曰くヨーロッパ風になっていったと言わしめているのでしょうが、私は「サージェント・ペパーズ」よりもブライアン・ウィルソンの「スマイル」をイメージした創った様な気がします。なので、本作は２０世紀以降のアメリカ音楽、レナード・バーンスタイン、ジョージ・ガーシュウィン、映画及びミュージカル音楽、デューク・エリントンなどのジャズ、勿論ファンク・R&R・ソウル、その他諸々のポップミュージックがごった煮になっている状態です。その中で私がある意味一番面白いと思うのが次のナンバー。

Ｂ面トップを飾るナンバー「Mountains」。フックのパートはプリンスらしいキモい（ホメ言葉です）歌い方になるのですが、それより前は楽曲・歌共に誰かっぽくないですか？　そうです、言うまでもなくマイケル・ジャクソンです。同じ歳でよく比較され、ＣＢＳのマイケル、ワーナーのプリンスと対立軸にされてしまった二人。マイケルファンには先に謝っときますが、音楽的才能はプリンスの圧勝だと思っています、あくまで私見ですよ！
ε=ε=ε=ε= (#ﾟДﾟ)（ °∀ °c彡)ヽ( ・∀・)ﾉ┌┛・・・ (((((ﾟÅﾟ;)))))
本曲をマイケル＆クインシー・ジョーンズへのからかいと見なす事も出来なくはないのですが、人間性はともかく・・・プリンスという人は音楽に関しては真摯な人物であったらしいので、やはりこの曲は80年代初頭からのマイケル＆クインシー達によるダンサンブルファンクを認めた上でのセレクションだったのではないかと思います。プリンス本人もデビュー当時はダンサンブルなファンクナンバーを得意としていましたし。

アメリカンポップミュージックにおいて、大変重要な意義を持つ音楽がまだあります。上の「Anotherloverholenyohead」を聴いて『何かに似ている…』、と思われる洋楽ファンは私だけでしょうか？その ”何か” は言わずと知れたスティーヴィー・ワンダー、更に言えばスティーヴィーを含めたニューソウルと呼ばれるもの。マーヴィン・ゲイ、ダニー・ハサウェイ達と共に70年代以降、新時代のソウルミュージックを切り開きました。タイプは違いますが、米音楽界における天才であるこの二人は、お互いを尊敬し合っており、互いのステージにゲスト、ともすれば飛び入りで出ることもあったとか。16年にプリンスが急逝した際には、スティーヴィーはいち早く追悼のコメントを発表しました。

プリンスはこの後も素晴らしい、かつ問題作？とも言われる作品を発表し続けます。またワーナーとの確執などもあり、そのミュージシャン人生は波乱に満ちたものでした。また折に触れ、プリンスは取り上げて行きたいと思いますが、今回はこの辺で。

デヴィッド・ガリバルディ特集の３回目、今回が最後です。

ガリバルディのグリップは映像を観る限りではマッチドグリップ（左右が同じ握り方）ですが、本人の弁によると74年頃までにおいてはレギュラーグリップで、またフットペダルの奏法についてもヒールダウン（踵を付けたまま足首の動きだけでペダルを踏む）を用いていたと語っており、つまり昔ながらのジャズドラマー的スタイルでした。75年頃からマッチド、そして足も踵を上げて足全体で踏み込むヒールアップを使用するようになったそうです。細かいニュアンスはレギュラーグリップ、パワーを出したいならマッチドグリップが向いているとよく言われます。確かに一般的にはそうであるとは思います。思いますが・・・
ガリバルディをはじめ、ジェフ・ポーカロ、ビル・ブラッフォード（#20～21）、そして神保彰さんなどマッチドグリップの使い手を観ていると、とてもマッチドが細かいニュアンスを付けるのに不向きなどとは思いません。逆にレギュラーはパワーが出ないからロックは出来ない、などと言う人はスチュワート・コープランド（#94～95）のプレイを観た方が良いでしょう。要はそのプレイヤー次第なのです。上は教則ビデオ「タワー・オブ・グルーヴ」に収録の「Escape From Oakland」。左手のプレイを視覚的に十分確認する事が出来ます。それにしても「Back to Oakland」に対して「Escape From Oakland」とは皮肉が効いています。もっとも本編では苦笑まじりに『いや、オークランドはイイ所だけどね・・・』とフォローしていますが…

タワー・オブ・パワー時代のセッティングはスリンガーランドのセットで、ベースドラム２０インチ、タム１２インチ、フロアタム１４インチという小口径の所謂３点セット。スネアはラディックの定番スティール（ステンレス）シェルで浅胴と深胴の二種類を使っていたとの事。「Back to Oakland」制作時辺りから裏面ヘッドを外すようになったと述べており、打面側にテープでミュートをし、とにかくタイトなサウンドを、目指したのはジェームス・ブラウン（のドラマー）だったと語っています。上は73年、ソウルトレイン出演時の模様。あまり映りませんが、裏面ヘッドを外しグリップはレギュラーグリップを用いているのが確認出来ます。ユーチューブで ”tower of power live” にて検索するとこれ以外にも若干ですが70年代の映像が出てきます。３０分超の画質音質共にこの時代としては良好な、やはり73年のライヴ映像も上がってますので興味がある人は。80年代以降はヤマハドラムスのエンドーサーとなり、シンバルに関してはパイステ、比較的最近の映像を観るとセイビアンを使用している様です。

タワー・オブ・パワーを離れてからはセッションワークをこなすようになります。上はその内の一つ。ドゥービー・ブラザーズ　トム・ジョンストンのソロ作「Everything You’ve Heard Is True」（79年）に収録されている「I Can Count On You」。タワー・オブ・パワーにおける様な手数の多いプレイでは流石にありませんが、ツボを押さえた１６ビートファンクグルーヴは彼ならではのもの。しかしガリバルディはそのままセッションドラマーとして、例えば同じウェストコーストでもジェフ・ポーカロやハーヴィー・メイスンといったプレイヤーの様には多くのセッションワークを残す事はありませんでした。本人曰く、『ポーカロ達の様なドラマーは ”unique vibe” （ ”独特の雰囲気” みたいな意味かな？と私は思います）を持っていながら、それをＯＦＦにする事も出来る。自分にはそれが出来なかった』、と語っています。個性が強すぎるプレイスタイル故に、セッションドラマーとしては大成出来なかった、また本人にもそこまでして仕事をこなそうという意識もなかったようです。

こうして90年代後半までは、地道なライブ活動や音楽学校での指導に就きます。教則ビデオの制作もこの時期です。そして98年、古巣タワー・オブ・パワーへ復帰します。これ以降の映像はユーチューブでかなり上がっていますので容易に観ることが出来ます。しかし、一昨年17年1月に信じられない様なニュースがありました。ガリバルディが列車にはねられたというものでした。その後詳細が判り、路面電車との事故であったとのことで、バンドメンバーであるもう一人もはねられたそうです。ガリバルディは手術を受けるほどの怪我ではなかったそうですが、もう一人は一時意識が無い状態だったそうです。インターネットでそのニュースを読んだ時は、驚きましたが、どうやら演奏に支障が出るような怪我ではなかったようで、18年のライヴ動画を幾つか確認すると、ちゃんとガリバルディが叩いています。
ヨカッタ・・・(*´∀`*)
ベーシストのロッコ・プレスティアは10年代前半辺りから体調不良により、演奏に参加出来ない事が多いそうです（ちなみに列車事故に遭ったのは代役のベーシスト）。再び二人による鉄壁のリズムセクションを聴く事が出来るのを願って止みません。

最後にガリバルディとロッコがプレイしている映像を観ながら。98年に催された『Bass Day 1998』における「Oakland Stroke」。ロッコのステージにガリバルディがゲスト参加した際のものです。タワー・オブ・パワーのステージでは後ろに隠れてしまう二人ですが、この様にフィーチャーされた映像は極レアです。こういうのを本当の音楽と言うのです。

デヴィッド・ガリバルディのプレイにおける特徴としてよく挙げられる点として、パラディドルを用いたリズムパターンと変則的なビートがあります。この二点は密接に結びついている、というよりも、ある種不可分のものであるとも言えます。パラディドルは変形の手順、右左を交互に叩くオルタネイトスティッキング（シングルストローク）ではなく、シングルとダブルストロークを組み合わせたものと理解すれば良いかと思います。代表的なものには右左右右左右左左などがあります。彼の教則ビデオ「Tower of Groove」でも、序盤でこれをそのまま用いたリズムパターンを実演しています。右手ハイハット・左手スネアで２・４拍のスネアにアクセントを付ける、口で言えば『チタチチタチタタチタチチタチタタ』という感じ。

 

 

 

私の英語力が拙いせいもあって、説明の内容は断言できませんが、彼が念を押して言っているのは次の二つだと思われます。①アクセントとノーアクセントをはっきり叩き分ける②スネアとハイハットの音色を近づける。強弱の差をきちんと付ける、これは基本的な事です。大きい音はより大きく、小さい音はより小さく、どの楽器においてもダイナミクスというものは大事なことです。次のスネアとハイハットの音色、これはスネアにおけるチューニングと密接なつながりがあります。ここでのスネアはノーアクセントのショットを指すと思われますが、前回も触れたゴーストノート、主にスネアで叩かれるものですが、ハイハットの『チッ』という音色に近いサウンドがこの場合は求められます。スティーヴ・ガッドも同じことを言っており、比較的高いピッチの軽いスネアショットとハイハット（手で叩くのと足で踏んで鳴らす場合の両方）の音色を出来るだけ近づけるようにしていると語っていた記憶があります。この二つのサウンドはブレンドし易く、それがフュージョン・ファンクの１６ビート、及び勿論ジャズの４ビートにおいても、相似的な音色の連なりがグルーヴを生み出すとして必要とされているのでしょう。これは全てがフルショットを必要とされるヘヴィメタル・ハードロックでは機能しないものです。例外的な人もいますが、それらの音楽では『ズダーン』といったド迫力の重いスネアサウンドが求められます。これはどちらが良い悪いではなく、音楽的ニーズから来る音色の差です。

もう一点である変則的なビート。やや乱暴に言ってしまえば２・４拍のスネアによるバックビートが必ずしもないリズム、と言い替えても良いかと思います。1st・2ndアルバムでもその様なリズムは若干ありましたが、大々的に取り入れられたのは三作目から。前々回取り上げた「Oakland Stroke」や、上の「Soul Vaccination」にてそれは完成したと言えます。彼はこのアイデアをラテンミュージックのドラムから得たと語っています。ラテンも基本的には２・４拍にアクセントがあるアフタービートの音楽ですが、ロックの様に強烈なものではなく、またそのリズムはシンコペーション、裏拍を強調したものであるため、流動的とも言えるビートです。所謂ロックは ”タテノリ” 、ジャズ・ラテンは”ヨコノリ” と呼ばれるものです。この変則的ビートは先述のパラディドルを用いる事でより緻密かつグルーヴ感溢れるものになります。何よりガリバルディのプレイにおいて重要なのは、ただいたずらに複雑なリズムにしている訳では無いという点です。所謂手クセ・足クセで演奏するのではなく、タワー・オブ・パワーにおいてはホーンセクションのソリ（ホーン隊がユニゾンで吹くフレーズ）に合わせ、計算されたフレージングであるのです。よく聴くと、スネアのアクセントがホーンのソリと合わせていたり、また掛け合いの様になっていたりします。

タワー・オブ・パワーにおけるガリバルディのプレイを語る上で、欠かす事が出来ないのはベーシスト フランシス・ロッコ・プレスティアの存在です。所謂チョッパー（スラップ）などの派手なテクニックは使わず、基本的に指弾きで正確無比かつ怒涛の様な１６ビートを敷き詰めるそのスタイルはある意味圧倒的であり、同時代におけるスラップベース生みの親であるラリー・グラハムとは対照的です。しかしベーシストからはグラハムと遜色ないほど、現在においても尊敬を受け続けているプレイヤーの一人だと言わています。名盤「Back to Oakland」の制作時には、ガリバルディやロッコ達のリズム隊はジャムセッションにかなりの時間を費やしたと語っており、「Oakland Stroke」などはその過程から生まれたそうです。5thアルバム「Urban Renewal」に収録されている上の「Only So Much Oil In The Ground」は、ロッコ、ガリバルディ、そしてホーン隊によるスピード感に溢れながら、なおかつ一糸乱れぬ１６ビートプレイが堪能出来る快演です。

13年の暮れに「Hipper Than Hip」というライヴ盤が発売されます。74年にラジオ番組用として収録された音源が４０年近くの時を経て作品となり日の目を見ました。ほぼ同時期に山下達郎さんとピーター・バラカンさんがラジオで取り上げ、バラカンさんは ”何故これが４０年もお蔵入りに？” と、達郎さんは ”本当の音楽っていうのはこういうのを言うんですよ…” と語っていました。絶頂期のバンドを収めた見事過ぎるアルバムです。前々回も取り上げた名曲「Squib Cakes」も演奏されていますが、『ライヴでこれかよ！！！』と叫んでしまう様なクオリティーの名演です、いや、むしろライヴならではの名演、といった方が適切でしょうか。ちなみに米におけるドラム＆パーカッション専門誌　モダンドラマーにおいて、「Back to Oakland」はドラマーが聴くべき最も重要なアルバムの一つと認定されている事を付記しておきます。

ガリバルディは70年代後半からバンドと距離を取り始め、80年には完全に一度袂を分かちます。理由はバンド内におけるドラッグの蔓延。これが彼には我慢出来なかったとの事です。良い子のみんなはマネしちゃダメだぞ！
☆(ゝω・)v 　・・・・・・　しねえよ！(._+ )☆＼(ｰ.ｰメ)
☆(ゝω・)v ダメだよ、真似しちゃ！〇エー〇た … やかましい！（ °∀ °c彡))Д´）・・・・・
マネはダメヨ！☆(ゝω・)v 三〇〇子さんの次男 … いい加減にしろ！ヽ( ・∀・)ﾉ┌┛Σ(ﾉ;｀Д´)ﾉ

デヴィッド・ガリバルディ特集はまだ続きます。

デヴィッド・ガリバルディ。この名前を聞いてピンと来る人は、洋楽に通じている人でもそう多くないのではないかと思います。日本が世界に誇るドラマー　神保彰さん。圧倒的なテクニックと、エレクトリックドラムなどのツールを使って常に新しいプレイを追及し続ける神保さんが、昔ドラムマガジン誌上にて影響を受けたドラマーは？と尋ねられ、その時に挙げたのがスティーヴ・ガッド、ハーヴィー・メイソン、そしてデヴィッド・ガリバルディだった記憶があります。70年代フュージョンシーンを担ったガッドとメイソンは、ドラムを演ってない音楽ファンでもその名前くらいは聞いた事があるかもしれませんが、ガリバルディというと『誰？』、となるのではないでしょうか。

 

46年、オークランド生まれ。10歳でドラムを始め、17歳からプロとして活動し始めましたが、66年、つまり二十歳の時にベトナム戦争へ徴兵されます。空軍の軍楽隊に所属していたそうです。除隊してから帰郷して70年7月にタワー・オブ・パワーへ加入します。9月から11月までレコーディングを行い、そうして出来上がった1stアルバム「East Bay Grease」をその年のうちにリリースします。

前回既に述べた事ですので重複は避けますが、フィルモア・ウェスト／イーストの設立者　ビル・グレアムが立ち上げたばかりのレーベルから本作は発売されました。二作目以降のワーナーと比べれば録音環境は劣っていたのでしょう。ドラムの音などは殆ど生音ですが、それが却ってガリバルディのプレイを生々しく忠実に伝えてくれています。オープニングナンバーである「Knock Yourself Out」。ガリバルディは17歳の時にサンノゼ公会堂でジェームス・ブラウンのステージを観て衝撃を受けたそうです。午後の早い時間に会場へ行くとバンドがリハーサルを演っていて、間近でそれを観ることが出来たとの事（大らかな時代だったんですね）。彼のファンクミュージックへの興味はこの辺りから湧いてきたようです。

ガリバルディのプレイにおける特徴であるスネアのゴーストノートや１６分裏の強調はこの時点で既に完成されています。ジェフ・ポーカロ回（#63～#66）でもゴーストノートについては触れましたが、２・４拍で強く叩くスネアショットとは別に、ごく小さな音量でプレイされるスネアショットをこう呼びます。このゴーストノートがある事によって独特なグルーヴ感が生まれ、特にファンクなどの１６ビートドラミングには欠かす事が出来ません。本作からもう一曲「The Price」。１６分裏のリズムが、特にベースドラムによって強調されているナンバー。口で言えば『ッドッドッドッド・・・』という感じ。

二作目である「Bump City」は、前作にあった怒涛の様なファンク色はやや薄れています。ただし良い意味で洗練され、音質も向上しています。大レコード会社ワーナーへの移籍に因るものであるのは言うまでもないでしょう。それに伴いガリバルディのプレイも、1stにあったようなゴリゴリの１６ビートドラミングは少し鳴りを潜めていますが、その本質は基本的に変わっていないものと私は思っています。上はシャッフルビートの曲「Flash in the Pan」。シャッフルについては、これまたジェフ・ポーカロ回で述べていますが、『タッタタッタタッタタッタ・・・』と所謂 ”ハネる” リズム。本曲では ”タッタ” の裏拍に左手でハイハットやスネアを叩く事でよりオフビートを強調しています。これは割と古いスタイルのブルース・R&Bのドラミングによくあったプレイスタイルですが、ガリバルディがプレイすると古さなど微塵も感じさせず、彼のドラミングになってしまいます。先達の技を踏襲しながら、その上で自身なりの新しいスタイルを築く、まさしく温故知新です。

私見ですが、インストゥルメンタルと ”歌もの” の演奏は別、との意見が散見されますけれども、共感出来る部分も無くはないのですが、基本的に根っこは同じだと私は思っています。そして一流のプレイヤーは例外なくどちらも巧い。上は初期におけるバラードの傑作「You’re Still A Young Man」。歌ごころあふれるガリバルディのバッキングプレイが堪能できます。二代目ヴォーカリスト リック・スティーブンスの名唱が見事。一昨年惜しくも他界してしまいました、合掌。

93年にＶＨＳビデオで発売された「Tower of Groove」。ガリバルディ自身が自らのプレイについて実演しながら解説し、バンドとのスタジオライヴを交えてその素晴らしいグルーヴを披露してくれています。ＶＯＬ１・２がありますが、ＤＶＤでは一枚にまとめられています。現在はユーチューブで観れてしまいます。上はその中の一曲「Lakeside Shuffle」。タイトルはシャッフルですが、ただのシャッフルでは終わらぬ一筋縄ではない楽曲。四分の四のシャッフルと、八分の六拍子のアフリカンビートが交錯する所謂ポリリズム。途中でジャズのスウィングのパートもあり、ガリバルディとしては珍しい４ビートプレイを観ることが出来ます。本編ではこの演奏の後に本曲のプレイについて解説していますので興味のある方は。もっとも英語ですから何を言っているか私には断片的にしか判りませんが …
一点だけ気になったのは、４ビートのパートで、シンバルレガート（チーンチッチ・チーンチッチといったジャズの基本的なリズムをトップシンバルでプレイする事）の際に、裏拍にアクセントが付いている箇所がかなりある事。口で言えば ”チーンチッチ・チーンチッチ・チッチチーン・チーンチッチ” の様な感じ。エルヴィン・ジョーンズなどもこういったレガートをよくしましたが、これは裏拍を強調し、よりリズムをドライヴさせる効果があります。おそらくエルヴィンにしろガリバルディにしろ、自然とそうなったのだと思いますが。

余談ですがその昔ＤＣⅠビデオは非常に高価で、七・八千円から一万円以上しました。おいそれと手が出るものではなかったです。その点日本の、リットーミュージックの教則ビデオなどは良心的で、ものによっては三千円台で買えました。リットーミュージックさんお世話になりました。
えっ？ (*ﾟ▽ﾟ) ナニのビデオでお世話になったって …（ °∀ °c彡))Д´）（ °∀ °c彡))Д´）（ °∀ °c彡))Д´）

当然一回では書き切れないので次回以降へ続きます。一字一句を惜しんで少しでもガリバルディの魅力をより多くの方たちへ伝えていく所存であります！
(`・ω・´)ｷﾘｯ ・・・・・・・・・・・・・・
だったら上みたいなくだらねえこと書いてんじゃねえよ！！！ヽ( ・∀・)ﾉ┌┛Σ(ﾉ;｀Д´)ﾉ